Inéditas de Bob Marley

O reggae tem a mesma raiz, o mesmo calor e o mesmo

ritmo do samba. Sim, nós estamos muito próximos.

(Bob Marley no Rio de Janeiro, 19 de março de 1980).  

Primeiro grande astro da cultura pop saído do Terceiro Mundo e o mais conhecido músico do reggae de todos os tempos, Bob Marley completaria hoje seu 70° aniversário. Para comemorar a data, seus fãs recebem um presente inédito, em versões Blu-Ray, CD e DVD: “Easy Skanking in Boston '78”, com a íntegra daquele que é considerado um dos melhores shows da história do reggae. Som e imagens foram gravados ao vivo em 8 de junho de 1978 e apresentam grandes sucessos de Bob Marley em versões que não haviam sido lançadas nem em vinil nem em CD, incluindo “No Woman, No Cry”, “I Shot the Sheriff”, “Get Up, Stand Up” e duas canções que foram apresentadas somente naquela noite no Orpheum Theatre de Boston, em Massachusetts, Estados Unidos – “Slave Driver” e “The Heathen”, que até agora permaneciam com a aura de inéditas.

São 13 canções em 70 minutos, na versão CD, e oito canções em 48 minutos na versão DVD (com imagens gravadas por um cinegrafista amador no palco, muito próximo do cantor e da banda). Imagens e canções inéditas do show em Boston são os primeiros lançamentos deste 70º aniversário, mas a família do músico já anunciou uma variedade de lançamentos e eventos de comemoração. Em um calendário que teve sua prévia de divulgação com o lançamento de um novo site oficial, o legado do Rei do Reggae será lembrado pela apresentação de novas versões de material raro, entre elas uma edição de luxo, também em Blu-Ray, CD e DVD, de seu trabalho mais memorável, “Legend” – álbum com uma coletânea dos grandes sucessos de Bob Marley com a banda The Wailers que, desde o lançamento, em maio de 1984, vendeu oficialmente mais de 20 milhões de cópias e está entre os mais vendidos da história da indústria fonográfica.

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Inéditas de Bob Marley: no alto e acima,
fotografado por Esther Anderson nas
praias da Jamaica, em 1973. Também acima,
a capa do mais recente álbum, uma fotografia
do encarte e uma prévia da versão em DVD
do show realizado em Boston, EUA, em

1978, e que ainda permanecia inédito.

Abaixo, Bob Marley & The Wailers no palco

do Crystal Palace Park, em Londres, em

fotografias de Pete Still, em junho de 1980,

durante a Uprising Tour

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Uma câmera na mão

As cenas do show de 1978 em Boston, agora divulgadas no DVD e site oficial de Bob Marley, impressionam pela qualidade de imagem e som. A íntegra do show foi filmada com uma câmera na mão por um fã que Marley permitiu, na última hora, que pudesse subir ao palco. O resultado é notável porque consegue captar imagens do ídolo e seus músicos bem de perto, com sequências de closes e de movimentos de câmera impressionantes, a apenas alguns metros de distância, levando, a quem assiste hoje às imagens, à possibilidade de experimentar a intimidade do que acontecia no palco durante o show. 

 

Bob Marley e The Wailers, em junho de 1978, estavam na turnê internacional para divulgação do álbum “Kaya”, 11° dos 14 discos de estúdio de Marley, lançado em março daquele ano. Mas o repertório deste “Easy Skanking in Boston '78”, apresentado no Boston Music Hall, vai muito além das 10 faixas do disco, que emplacou os sucessos “Is This Love” e “Sun is Shining”, além da faixa-título. Completam as imagens de Bob Marley e banda, além de cenas da plateia, animações produzidas pela dupla S77 e Matt Reed, que realizaram videoclipes premiados para artistas como Pearl Jam, Red Hot Chili Peppers e Cee Lo Green.

Acima, Bob Marley em 1978 com a formação

completa do The Wailers e com a esposa

Rita Marley (de vermelho) e as integrantes

do I Threes; e em 1967 (ao centro), quando

se uniu a Bunny Wailer e Peter Tosh para

formar The Wailers. A partir do alto

da página, Bob Marley na praia de

Hellshire, na Jamaica, fotografado

em 1973 por Esther Anderson; a capa

do novo álbum, Easy Skanking in

Boston '78; e no palco do Crystal Palace

Concert Bowl, em Londres, em junho

de 1980, com The Wailers e I Threes.

Abaixo, o artista no jardim de sua casa em

Kingston, Jamaica, fotografado em março de

1976 por David Burnett para uma reportagem

da revista Time; e duas cenas de Marley,

documentário de 2012 de Kevin Macdonald

Um dos poucos latino-americanos no Hall da Fama do Rock and Roll, Bob Marley mantém sua grande importância não apenas como o homem que colocou o Reggae no mapa global, mas também como o estadista que mudou a história de sua terra natal, a ilha da Jamaica. Quando chegou à condição de ídolo internacional da música, ele investiu seu prestígio para construir a união entre as mais radicais facções políticas de seu país, que naquela época estava às portas de uma guerra civil.

Status de mito

Com sua morte precoce, aos 36 anos, vítima de câncer, em 11 de maio de 1981, alcançou uma invejável estatura de mito, talvez só comparável, no universo da música, a John Lennon ou Elvis Presley, com equivalente popularidade internacional e também com forte apelo comercial – como comprova a extensa lista de relançamentos permanentes de sua obra, atualizada com a impressionante safra de material inédito que tem chegado ao mercado nos últimos anos. Desde 2010, foram 10 lançamentos com versões inéditas e remixes em CD e DVD, incluindo a gravação completa do último show de Bob Marley, que aconteceu em setembro de 1980 em Pittsburgh, Pensilvânia (EUA) – lançada em 2011, na versão em CD, com o álbum duplo “Live Forever”.

 

Acima, a capa da edição de luxo de
Legend, com faixas inéditas, lançamento
de 2015, e Live Forever, álbum de 2011
com a íntegra do último show, em Pittsburgh,
Pensilvânia, em setembro de 1980. Abaixo,
as imagens que causaram polêmica em 1974,
com Bob Marley no ritual de Cannabis
 em Kings Place, Londres, fotografado
por Dennis Morris

Houve, também, em 2012, o lançamento do documentário “Marley”, dirigido por Kevin Macdonald, que traz o músico em cenas do dia a dia e nos palcos, com surpreendentes depoimentos até então inéditos sobre a música, a família (especialmente sobre Rita Marley, sua esposa e companheira de palco de 1966 até a morte, mãe de quatro de seus 12 filhos, dois deles adotados), a paixão pelo futebol e a complexidade de suas crenças sobre as questões de política e religião.

Mais de 30 anos depois de sua morte, Bob Marley permanece como um dos nomes mais conhecidos no mundo inteiro, mas na Jamaica, sua terra natal, seu status de mito é insuperável. Desde sua morte, a data de seu aniversário, dia 6 de fevereiro, foi decretada como feriado nacional – e sua filosofia de vida, sintetizada no Movimento Rastafari e no culto à Cannabis, temas da maioria de suas canções, firmaram raízes definitivas dentro e também fora da Jamaica. 

Acima, Bob Marley com Chico Buarque,

na única vez que o músico jamaicano esteve

no Brasil, em março de 1980. Bob Marley,
com outros músicos e Chris Blackwell, diretor

da Island Records, vieram ao Brasil para a

inauguração das atividades do selo alemão

Ariola. Bob Marley e The Wailer não puderam

subir aos palcos, porque a ditadura militar liberou

os passaportes, mas não autorizou os shows e não

concedeu vistos de trabalho. Apesar da censura

sem fundamento, Marley e banda não resistiram

à paixão pelo futebol. No Rio de Janeiro, eles

encontraram Chico Buarque e outros artistas

para jogar uma partida em um quintal na Barra

da Tijuca. No grupo, de pé, o músico da banda

The Wailers, Junior Marvin, o cantor e

compositor Toquinho e o jornalista João Luiz

de Albuquerque. Agachados, Jacob Miller (da

banda Inner Circle), Chico Buarque, o craque

Paulo César Caju e Bob Marley.

Abaixo, Bob Marley fazendo exercícios com

a bola de futebol antes do show no estádio de
Bruxelas, Bélgica, em maio de 1977, fotografado
por David Burnett; brincando com o filho

Ziggy Marley, durante temporada na Suécia,

em 1971; e em dois momentos da turnê

Kaya: desembarcando em sua primeira

viagem à Espanha, em 1978, onde faria um

show lendário na Plaza de Toros, em Ibiza;

e no palco, no show em Pittsburgh,

em setembro de 1978, fotografado

pelo dinamarquês Jan Persson

Além da permanência firme de suas canções, que soam como matriz e referência do Reggae desde suas primeiras gravações nos anos 1960, e mais ainda desde "Catch a Fire", de 1973, primeiro disco depois do contrato com a gravadora Island Records de Chris Blackwell, que apresentou sua música ao mundo, a filosofia de vida de Bob Marley e seus ensinamentos também parecem a cada dia mais atuais – como se vê em seu depoimento, emocionado, que encerra o documentário de 2012 de Kevin Macdonald:

“Se todos nos unirmos e dermos as mãos, quem sacará as armas?", defende o músico, repetindo sua militância por mensagens de paz e de união, como sempre fez em todos os shows e em todas as entrevistas, sem exceção. "Eu só tenho uma ambição: que a humanidade viva unida. Negros, brancos, orientais, todos juntos, unidos”. No dia 11 de maio de 1981, em um hospital nos Estados Unidos, em Miami, Flórida, Bob Marley morreu. Mas aquela ambição da utopia humanista e pacífica sonhada por ele continua a ser, ainda hoje, sem nenhuma dúvida, o sonho dos justos.

por José Antônio Orlando.


Como citar:

ORLANDO, José Antônio. Inéditas de Bob Marley. In: Blog Semióticas, 6 de fevereiro de 2015. Disponível no link http://semioticas1.blogspot.com/2015/02/bau-de-ineditas-de-bob-marley.html (acessado em .../.../...). 

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Acima e abaixo, Bob Marley no palco, com

The Wailers, Rita Marley e o coro das I Threes

no show em maio de 1976 no Santa Barbara Bowl,

na California, em fotos de Jeffrey Mayer.

Também abaixo, a imagem de Bob Marley

no cartaz de formas tipográficas criado

por Alyssa Almeida em 2014

 

 

Canto para o mundo

As gravações de João Gilberto com Astrud Gilberto,

com ou sem o Stan Getz, fazem a gente pensar que

a música é o silêncio que existe entre as notas.

Tom Jobim.   

Quase cinco décadas separam as trajetórias de Céu e de Astrud Gilberto, duas cantoras e compositoras brasileiras que têm semelhanças no estilo e voz suave. Céu, desde o início de carreira, lançou canções e álbuns que conquistaram fãs no Brasil e no exterior, enquanto o prestígio de Astrud Gilberto no exterior é indiscutível, há mais de meio século, desde o começo da década de 1960. Astrud é presença obrigatória em todas as listas das grandes cantoras do Jazz, mas no Brasil, por incrível que pareça, ela continua restrita a públicos específicos, cultuada principalmente pelos ouvintes de repertório mais sofisticado, apreciadores da Bossa Nova. 

Afastada dos palcos e da mídia desde o final da década de 1990, Astrud Gilberto foi homenageada com uma raridade: o primeiro DVD da cantora e compositora chegou às lojas no Brasil e em outros países com décadas de atraso. "Astrud Gilberto Ao Vivo no Lugano Festival Jazz" foi gravado em 1985 no célebre festival da Suíça, que atrai todo ano, no mês de julho, uma multidão à centenária Piazza della Riforma para ouvir, ao ar livre, grandes nomes da música internacional e celebrar o verão.

Os fãs de Astrud Gilberto vão por certo ter uma grata surpresa com as imagens da musa em cena, sempre elegante e meio tímida, fazendo mudanças sutis no fraseado de canções conhecidas, subtraindo compassos, acelerando ou desacelerando o andamento da música, com a harmonia de seu tom inconfundível. Para a grande maioria do público, será a primeira vez que se vê Astrud cantando em um show na íntegra. As imagens de suas performances ao vivo são raríssimas, mesmo no YouTube e em outras plataformas da Internet.

Astrud tem uma trajetória incomum: fez sua primeira e única apresentação como cantora no Brasil em maio de 1960, com outros músicos da Bossa Nova, no histórico show “Noite do Amor, do Sorriso e da Flor”, na Faculdade de Arquitetura da UFRJ, organizado para o lançamento do segundo LP de João Gilberto (“O Amor, o Sorriso e a Flor”). Em 1963, João Gilberto e Astrud, na época casados, se mudaram para os Estados Unidos e ela nunca mais voltou. Desde então, nunca mais se viu nem se ouviu ao vivo, por aqui, seu jeito suave de cantar, um estilo que sempre lembra o canto que João Gilberto consagrou e que virou marca registrada da Bossa Nova.

No show em Lugano, Astrud Gilberto e banda apresentam clássicos que ela própria lançou, desde a década de 1960, mas também algumas surpresas. Gravado pela TV da Suíça, o show acontece à noite, com a praça completamente lotada. Astrud entra em cena com uma versão personalíssima de "Águas de Março", com afinação impecável e fraseado bastante diferente da versão gravada por Tom Jobim e Elis Regina em 1970. Ela agradece os aplausos falando em italiano e em português e emenda com duas inéditas, "Kumbia" e "Milky Way", composições do então estreante Paulo Jobim, filho de Tom.

Na sequência vem "Dindi", comovente e nostálgica. Astrud tropeça na letra, faz uma pausa e retoma os versos perfeitos de Tom Jobim, sempre elegante. "A Rã", de Caetano Veloso, ganha versão instrumental com "scratches" cheios de "borogodó, berém, berenguedém..." que parecem vir direto do repertório de Carmen Miranda. "Canto de Ossanha" (Vinicius de Moraes) tem uma versão mais contida, com trechos em inglês e versos sussurrados ("pergunte ao seu seu orixá, o amor só é bom se doer...").



Parceria Getz & Gilberto

"Telefone" (Roberto Menescal e Ronaldo Bôscoli), do cancioneiro de Nara Leão, é apresentada em inglês no show em Lugano, seguida de "Girl From Ipanema", clássico dos clássicos de Tom Jobim e Vinicius, que levou Astrud para as paradas de sucesso do mundo inteiro em 1964 - ano do antológico disco "Getz/Gilberto", no qual ela e o então marido João Gilberto dividiram os vocais em parceria com o saxofonista Stan Getz. O repertório de "Getz/Gilberto" também foi a base para o célebre show de João Gilberto, Astrud, Tom Jobim, Milton Banana e companhia no ano de 1962 no Carnegie Hall, em Nova York, evento que consagrou a Bossa Nova fora do Brasil.

Além da presença mítica de Astrud Gilberto no palco, comandando o show, a banda tem belos momentos e performance solo dos músicos que levam a muitos aplausos do público. Acompanham os vocais impecáveis de Astrud um time de bambas: David Saks no trombone, Steve Harrick ao piano, bateria de Duduca Fonseca e, no contrabaixo, a presença rara de Marcelo Gilberto, filho de João Gilberto e Astrud.

O show em Lugano termina com uma versão acelerada para outro clássico de Tom Jobim e Vinicius de Moraes, composição feita para o espetáculo "Orfeu da Conceição", que estreou no teatro em 1956 e que no ano seguinte ganharia uma versão nos cinemas, como "Orfeu Negro": "A Felicidade" ("tristeza não tem fim, felicidade sim..."). Na sequência, uma versão alto astral de Aloysio de Oliveira para "In the Mood", clássico de Glenn Miller na era das "big bands", na década de 1940 - que na versão Bossa Nova virou "Edmundo" e havia sido gravada originalmente por Elza Soares em 1967.

       

Astrud Evangelina Weinert, que nasceu

em Salvador, em 1940, adotou o nome

Astrud Gilberto em 1959, depois do

casamento com João Gilberto. No alto,
Astrud com João Gilberto na praia, no
Rio de Janeiro, em 1960, em fotografia para 
o álbum de João O amor, o sorriso e a flor.

Também acima, Astrud no palco, no show
do Lugano Jazz Festival, em 1985, na Suíça;
Astrud em cena em uma apresentação na

TV da Alemanha, em 1970; em fotografia no

estúdio em Amsterdam, Holanda, em 1966;

na capa do álbum lançado em 1964

The Girl from Bossa Nova (The Astrud

Gilberto Album); e com Tom Jobim em Nova York,
em dois momentos: em 1964 e em 1984.

Abaixo, o casal recém-casado

Astrud Gilberto e João Gilberto no

Rio de Janeiro, no apartamento em que

moravam; o casal no palco, em 1960, e em

uma célebre fotografia, no estúdio, em 1963;
e a capa do DVD gravado no Festival de Lugano

Geração de seguidores



Presente sofisticado para os mais exigentes, o DVD de Astrud Gilberto ao vivo em Lugano tem apenas uma ressalva: a pobreza franciscana do lançamento, que não tem encarte, nem ficha técnica, nem identificação dos músicos da banda ou dos compositores das 11 canções. Pela raridade que representa, merecia melhor acabamento, mas ainda assim é imperdível.

A importância histórica do canto de Astrud Gilberto não tem comparação, mas é impossível não associá-la ao marido João Gilberto, apesar do casamento ter durado poucos anos e das trajetórias de Astrud e de João terem seguido por caminhos diferentes. No mundo inteiro ela é a voz feminina da Bossa Nova, porque foi a primeira cantora do novo estilo musical e sua referência desde o início. Entre os marcos históricos de Astrud está seu lugar como primeira mulher a ganhar um prestigiado prêmio Grammy como melhor gravação do ano, em 1965, pela primeira gravação de "Garota de Ipanema" (do álbum "Getz/Gilberto"), concorrendo com Beatles e Barbra Streisand. Não é pouco. 

Sempre presente nas listas das grandes cantoras de jazz de todos os tempos - ao lado de divas do Olimpo como Billie Holiday, Ella Fitzgerald, Sarah Vaughan e Nina Simone - as gravações de Astrud Gilberto mantêm seu impacto e formaram gerações de seguidores, como destacam em Belo Horizonte especialistas e entusiastas da Bossa Nova como Bob Tostes e Pacífico Mascarenhas.

Acima, Astrud Gilberto e o saxofonista

Stan Getz em 1964. Abaixo, Astrud com

João Gilberto e Marcelo Gilberto, filho

do casal. Após o divórcio, João voltou

para o Brasil e depois seguiu em turnês

internacionais, enquanto Astrud continuou

morando em Nova York com o filho e 

conduzindo a carreira em novas gravações 

e apresentações nos EUA e em países da

Europa. João Gilberto se casaria com a

cantora Miúcha, irmã de Chico Buarque,

com quem teve a filha Bebel Gilberto.

Também abaixo, João Gilberto e Miúcha

em Nova York, em meados dos anos 1960;

João Gilberto com os filhos Bebel e Marcelo;

e Astrud Gilberto em dois momentos: em 1970,

passeando pelas ruas de Nova York; e em

1985, no palco do Festival de Lugano

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"Ela é inigualável, simplesmente inigualável", aponta o músico e radialista Bob Tostes, pesquisador da música brasileira e da Bossa Nova em particular. "Astrud Gilberto criou um estilo e causou impacto nas cantoras de sua geração e em muitas das jovens cantoras que vieram depois. São muitas as grandes cantoras que buscam a suavidade e a interpretação frágil e contida que Astrud trouxe para o jazz e para a música brasileira e para a música internacional. E muitas cantoras e cantores que fazem sucesso no mundo inteiro reconhecem em Astrud a principal musa inspiradora", completa.

Para o compositor Pacífico Mascarenhas, Astrud Gilberto é um nome tão essencial para a Bossa Nova como o próprio João Gilberto. "Astrud viveu um certo tempo em BH, no final dos anos 1950, na casa de uma tia dela que morava no Bairro Santo Antônio. Eu apresentei um ao outro e foi aqui em BH que ela e João Gilberto começaram a namorar. Como ela tinha fluência no inglês, foi quem ajudou a treinar a pronúncia do João e sem dúvida nenhuma ajudou muito a abrir as portas para a Bossa Nova no exterior", recorda Pacífico, autor da canção "Pouca Duração", que foi gravada por Astrud na década de 1960. "Concordo com o Bob Tostes. Inigualável é a melhor palavra para descrever a presença e o estilo de Astrud Gilberto", conclui.

Durante quatro décadas, do início dos anos 1960 até o final dos anos 1990, Astrud Gilberto fez turnês por vários países e se apresentou nos principais festivais de Jazz. Uma de suas últimas gravações em estúdio foi em 1996, ao lado de George Michael, como contribuição para o Red Hot + Rio, do projeto beneficente Red Hot AIDS, que teve o produtor brasileiro Béco Dranoff entre os organizadores. Com George Michael, que na época estava no auge do sucesso e da popularidade, Astrud gravou a clássica "Desafinado". Desde então, recebeu prêmios e homenagens em vários países, mas não no Brasil. Também esteve na trilha sonora de muitos filmes e muitas séries de sucesso, além de canções como tema de novelas na TV do Brasil, e teve várias de suas gravações revisitadas pela música eletrônica, em remixes feitos pelos DJs mais celebrados. 

Acima e abaixo, Astrud Gilberto com Stan Getz

em cena do filme Get yourself a college girl,

comédia musical dirigida por Sidney Miller e

lançada nos cinemas em 1964. Também acima,

uma das faixas da coletânea "Verve Remixed",

que reuniu grandes sucessos de cantoras de

Jazz do acervo da gravadora Verve em

versões remixadas por convidados;

a gravação original de Astrud de 1965 para

"Who Needs Forever" teve remix do

Thievery Corporation em 2002.

Abaixo, Astrud Gilberto com Stan Getz e

Astrud no estúdio em Amsterdam, Holanda,

em 1966, em fotografia de Nico van der Stam;

e com Stan Getz na capa do álbum de 1969

Astrud Gilberto golden japanese album,

coletânea de gravações ao vivo lançada

somente no mercado japonês pela MGM 

Depois de Astrud, Céu

A lista de cantoras brasileiras que ganharam o mundo não é tão extensa. Começa com Carmen Miranda, no final da década de 1930, passa por Astrud Gilberto a partir da década de 1960, inclui o sucesso de Elis Regina no Festival de Montreux e algumas outras que investiram no filão do jazz e da Bossa Nova, principalmente no mercado da Europa e do Japão. Agora a lista ganhou mais um destaque: Céu, nome artístico de Maria do Céu Whitaker Poças, que despontou como jovem promessa da MPB em 2002, aos 22 anos, depois de começar na música aos 15 anos, quando chegou a gravar vocais para jingles publicitários.

Seu disco de estreia, batizado de "Céu", lançado em 2005, foi uma aposta dos selos Urban Jungle e Ambulante Discos (do produtor Beto Villares) que teve a sorte de conseguir distribuição no exterior pela Warner Music. Bem recebido pela crítica lá fora, que num primeiro momento comparou Céu a Marisa Monte e a Bebel Gilberto, brasileiras que também têm público fiel em vários países, o CD de estreia transformou a cantora e compositora Céu em um surpreendente fenômeno de vendas também fora do Brasil.

Nos Estados Unidos, o disco de estreia da cantora e compositora alcançou a marca invejável de 30 mil discos vendidos em duas semanas, chegando à primeira posição nos rankings de "world music" - a mais alta posição conquistada por uma cantora brasileira no mercado norte-americano desde a gravação original de "Garota de Ipanema" por Astrud Gilberto, em 1963. O disco de estreia ainda vendeu mais de 25 mil cópias em países como França e Holanda e garantiu a Céu uma indicação ao Grammy Latino, em 2006, na categoria de artista revelação. Naquele ano, o prêmio foi para a banda Calle 13, de Porto Rico.

O segundo disco, "Vagarosa", lançado em 2009, cinco anos após o álbum de estreia, segue a mesma trilha do sucesso que aproxima Céu de artistas contemporâneos difíceis de classificar pelos gêneros e categorias tradicionais. Na trilha de nomes como o francês Manu Chao, de quem ela se diz fã e reconhece como uma das suas fontes de influência, Céu vem investindo radicalmente na pesquisa de novas possibilidades e sonoridades, com influências generosas de eletrônica, mas também de samba, frevo, tango, salsa, jazz, blues, folk, hip hop, afrobeat, ska, dance hall e, especialmente, reggae.

Menina Rosa



"Vagarosa" reúne um total de 12 surpreendentes composições próprias, inéditas, e uma única releitura - um rearranjo psicodélico para "Menina Rosa", clássico de Jorge Ben Jor que soa irreconhecível na nova versão. Produzido pela própria Céu em parcerias inspiradas com Beto Vilares, Gustavo Lenza e Gui Amabis, "Vagarosa" é um disco corajoso. Não faz concessões, na contracorrente dos repertórios "versáteis" e pretensamente moldados sob medida para o sucesso tão fácil como efêmero. Definitivamente, é daqueles discos para ouvir com atenção e gostar muito ou não gostar.

Destaque para o auxílio luxuoso de convidados especiais do porte de Luiz Melodia (no autêntico samba recriado por Céu em "Vira-Lata"), além dos vocais sussurrantes e impecáveis de Thalma de Freitas e Anelis Assumpção - que fazem lembrar Rita Marley e outras vocalistas dos mestres da Jamaica em "Bubuia". Marcelo Jeneci também marca presença em "Sonâmbulo", assim como BNegão e Curumin no reggae "Cordão da Insônia", uma das melhores surpresas de um disco que merece destaque entre os principais lançamentos da última temporada.

"Vagarosa" começa com uma pequena porém emblemática vinheta - o prelúdio em samba "Sobre o Amor e Seu Trabalho Silencioso", com seu belo fraseado que remete aos bambas da velha guarda do samba, mas tem letra e música originais de Céu. Tocada apenas ao cavaquinho (por Rodrigo Campos), tira partido da poesia do primeiro verso - "vai pegar feito bocejo/ o que só o sentido vê". É a primeira de uma série de metáforas que reforçam o clima lento, sossegado e sofisticado do CD.

Na sequência, a irresistível "Cangote" ("Fiz minha casa no teu cangote/ não há neste mundo quem me bote/ pra sair daqui...) instaura os ares modernos que as faixas seguintes vão estender até extremos da harmonia. "Cangote" traz o veterano baterista Gigante Brasil em seu show particular e Beto Vilares na guitarra, baixo e "scratches".

Inflexível e hipnótica



Por "Vagarosa" ainda desfilam, entre muitos outros, o talento de Fernando Catatau (em "Espaçonave", que inclui sons da floresta amazônica gravados por Guilherme Ayrosa), Los Sebozos Postiços (formados por Lucio Maia, Pupilo, Dengue, Bactéria, Gustavo da Lua e Jorge du Peixe, egressos do Mundo Livre S/A). Outra presença importante é Chiquinho, mentor da banda Mombojó, em faixas como "Comadi", "Espaçonave" e "Cordão da Insônia".

Eleito entre os melhores discos do ano de seu lançamento (2009) pela maior parte dos críticos musicais da imprensa brasileira, "Vagarosa" também uma recepção incomum e elogios de veículos influentes da imprensa estrangeira, incluindo o norte-americano The New York Times e os ingleses BBC, The Guardian e The Independent. Pela BBC, Colin Irwin definiu Céu como "uma cantora sublime", destacando para o público do Reino Unido que era impossível falar de Céu ou ouvir suas canções sem invocar as semelhanças e aproximações dela com Astrud Gilberto.

Entre tantos convidados ilustres, Céu consegue se impor como o melhor destaque. Com sua voz pequena e sussurrada, que por vezes lembra a jovem Gal dos anos 1960, por vezes soando inflexível e hipnótica, por outras sedutora e caliente, a jovem cantora e compositor equilibra timbres e músicos com raro talento e carisma.

Ao pegar carona na eletrônica e na nova onda de "scratches" e remixes, características de suas investidas desde o disco de estreia, Céu em "Vagarosa" deixa para trás os clichês surrados de medalhões da MPB tradicional e renova as possibilidades do samba e da Bossa Nova entre outros gêneros e categorias. E acerta em cheio, alcançando sonoridades que retratam os novos tempos e acrescentam novidade, sem retomar aquela fórmula de tantos outros que apenas repetem referências para oferecer mais do mesmo.

por José Antônio Orlando.


Como citar:

ORLANDO, José Antônio. Canto para o mundo. In: Blog Semióticas, 12 de agosto de 2011. Disponível no link http://semioticas1.blogspot.com/2011/08/canto-para-o-mundo.html (acessado em .../.../...).

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