Fetiches à mostra

O que leva à substituição do objeto pelo fetiche é

uma conexão simbólica de pensamentos que, na

maioria das vezes, não é consciente para a pessoa.

–– Sigmund Freud, 1905.   

A história do erotismo talvez seja inseparável de um certo fetiche para despir até a intimidade do corpo nu. Com suas regras fluidas e cada vez mais instáveis com o passar do tempo, na intimidade ou em público, a história e o jogo social do erotismo em vestir e despir, a partir dos últimos três séculos, recebem agora uma retrospectiva provocante que transfere as “roupas de baixo” à categoria de obras de arte. Batizada de “Undressed: A Brief History of Underwear” (Desvestidos: uma breve história da roupa íntima), uma exposição em Londres, aberta no Victoria & Albert Museum, resgata as relações entre o corpo, a moda e a roupa íntima desde 1750 até a atualidade.

Trata-se de um acervo nunca antes reunido com mais de 250 objetos e imagens que são puro fetiche (veja o link para uma visita virtual à exposição no final deste artigo) – incluindo fotografias, cenas de filmes, pinturas e desenhos, embalagens e anúncios publicitários que fizeram História. Entre tantos apelos de sedução, o grande destaque são as peças originais de roupas íntimas de várias épocas, tanto femininas quanto masculinas, criadas para envolver órgãos genitais, seios, cinturas, coxas, pernas, nádegas – peças que somente há poucas décadas a publicidade passou a expor em público sem bloqueios de recatos e pudores.

Diante da variedade tão sugestiva da coleção de calcinhas, sutiãs, cuecas, calções, espartilhos, corseletes, anáguas, meias transparentes, cintas-liga, camisolas e pijamas apresentados na exposição, em marcações cronológicas por vezes surpreendentes, o observador pode ter o prazer de cruzar as fronteiras fluidas e instáveis do erotismo e da sexualidade que a arte e a literatura descobriram bem antes de 1750 – data inicial da trajetória que o recorte temático da mostra reconstitui. São estas fronteiras de regras fluidas e instáveis que tiveram nos escritos do século 19 do francês Charles Baudelaire sobre a Modernidade seu marco inaugural como questão fundamental da vida em sociedade.

Fetiches à mostra: no alto, espartilho

em seda e metal fabricado em 1890

e usado para reduzir a cintura, manter

o tronco ereto e conferir mais elegância

ao corpo – uma das raridades reunidas

na exposição do Victoria & Albert

Museum. Acima, dioramas de

1900 registram damas da

nobreza vestindo espartilhos

e armações para saias e

vestidos. Abaixo, desfile

da primeira coleção de lingerie

de luxo lançada em 1998, em

Paris, pela estilista australiana 

Collette Dinnigan; e vitrine da

Corsetiere, última loja especializada

em corsetes, corseletes, espartilhos e

roupas íntimas sob encomenda, no East

End de Londres, que fechou as portas em

maio de 1968, fotografada em 1961 por

John Claridge. Todas as imagens

reproduzidas nesta página estão no

catálogo da exposição Undressed

“O jogo social do erotismo gira hoje em torno da seguinte questão: até onde pode ir uma mulher digna sem se perder?” – interrogava Walter Benjamin, na década de 1930, em uma das passagens de “Jogo e Prostituição”, um dos ensaios inspirados, instigantes, que o pensador alemão dedicou aos escritos de Baudelaire. É verdade que tanto Baudelaire quanto Benjamin tinham em mente as figuras femininas das ruas e salões do Oitocentos, cenários das transformações sociais que surgiram e se desenvolveram na Paris do Segundo Império, mas suas reflexões cabem, como uma luva, também para as mitologias de valor efêmero que a publicidade e a cultura pop disseminam em nosso tempo presente.

Contraponto histórico

A questão filosófica e sociológica, profundamente semiótica, que Walter Benjamin apresenta, espelhado em Charles Baudelaire, poderia constar em destaque, como epígrafe, na mostra do museu britânico, indicando um sem número de aspectos transdisciplinares que sobrepõem variáveis: das amarras da tradição aos hábitos de higiene, das normas da elegância aos impedimentos do poder econômico, dos hábitos cotidianos de consumo e comportamento condicionados em segmentos de classes sociais.

Fetiches à mostra: no alto, amostras

raras das roupas íntimas usadas pela

nobreza da Europa no século 18.

Acima, espartilhos com cordas

e metal usados no século 19.

Abaixo, corsete em seda

e algodão de 1890 com

detalhes bordados em ouro;

uma rara peça unissex: a cinta

usada por homens e mulheres

no Oitocentos para moldar a

cintura e reduzir a barriga; e uma
peça que fez história na década de
1990: o sutiã cônico em modelo corsete
criado por Jean-Paul Gaultier para a
turnê "Blonde Ambition"
de Madonna

 

.

"Dos mestres de ofício dos séculos 18 e 19 aos designers e estilistas mais famosos de nossa época, permanece o apelo das relações fascinantes entre a roupa interior e a roupa exterior, entre a roupa íntima e o corpo", destaca Edwina Ehrman, diretora do acervo de moda e materiais têxteis do Victoria & Albert Museum e curadora da mostra. No dossiê de imprensa sobre a exposição, a curadora também destaca uma série de contrapontos históricos que distinguem a trajetória das roupas íntimas feitas para mulheres e para homens.

Um destes contrapontos: as roupas íntimas femininas sempre tiveram como objetivo o apelo sexy, a sedução, que não raro traziam junto o desconforto e até mesmo a exigência de um certo grau de sacrifício. Por outro lado, a roupa íntima masculina tem por princípios, desde outras épocas, o conforto e a simplicidade, das antigas faixas de recortes de linho, que eram fáceis de lavar e serviam para proteger os genitais do contato com as armaduras de metal e com os ásperos tecidos dos uniformes militares, aos mais modernos modelos contemporâneos feitos de tecidos sintéticos ou de algodão com costuras invisíveis.

 

                                     

Fetiches à mostra – no alto, uma relíquia

original e valiosa: uma cueca de algodão

produzida na Inglaterra em 1890. Acima,

modelos anônimos fazem pose em 1915,

vestindo roupas íntimas longas, para um

catálogo de vendas das lojas Sears de Chicago;

a caixa de cuecas de papel descartáveis

lançada em Londres pela L.R. Industries

em 1970; um anúncio publicitário de calções

de banho de 1955 da grife Catalina, uma das

mais antigas fabricantes de roupas ainda

em atividade, criada em 1907 na Califórnia;

Sean Connery antes da fama, ao lado de

Chopper Hawlett, em um concurso de

fisioculturismo em 1953, usando um

ousado modelo de sunga de algodão.

Também acima, Clint Eastwood, outro

astro do cinema antes da fama,

posando de modelo fotográfico em 1955;

e o anúncio de lançamento de cuecas no

novo formato “sleep” que iria revolucionar o

mercado, aposentar o formato da tradicional

das cueca samba-canção e se tornar uma

peça de escândalo pela ousadia nunca vista

em um catálogo industrial, criação da grife

inglesa Dean Rogers Menswear. Abaixo, os

Brixton Boys fotografados para um anúncio

da Calvin Klein, em 2001; o anúncio de 2012

com David Beckham exibindo a coleção de

cuecas da grife H&M; um anúncio de 2015

das cuecas de seda da grife AussieBum;

e Claudia Schiffer vestindo Chanel 

nas passarelas em 1993

A exposição, com sua meta de traçar um painel técnico e comportamental sobre a evolução no design de roupas íntimas, revela que o uso de materiais como metal, cordas e cordões vem, gradativamente, cedendo lugar a tecidos como linho, seda, algodão, rendas, cada vez mais suaves e em cortes e formatos progressivamente mais encurtados e simplificados nos adereços. A evolução das primeiras peças, exclusivas e artesanais, chega aos processos técnicos da fabricação em série, depois em escala industrial, mas sempre moldando os ajustes das silhuetas às formas de um almejado corpo ideal, seguindo os padrões de cada época e atendendo aos apelos libertários em detrimento do recato e das vigilâncias da moral.

O jogo: exibir e esconder

No jogo social do erotismo, o equilíbrio entre exibir e esconder vem, quase sempre, pontuado por determinados paradoxos e contradições: para mulheres da burguesia, desde o final do século 19, era comum mostrar parcialmente, em público, um ou outro detalhe das novas formas de lingerie como indicativo de poder e riqueza; para os homens, as novidades são menos numerosas e quase sempre restritas a mudanças mínimas na modelagem de ceroulas e calções.

Fetiches à mostra: no alto e acima,

peças da coleção de lingerie de 2015

da grife Stella McCartney; e a coleção

de calcinhas da Cheekfrills, criação

de Lily Fortescue e Katie Canvin.

Abaixo, dois anúncios da

coleção “pornô-chic”

batizada de Tamila, lançamento

de 2015 da grife Agent Provocateur,

fotografados por Sebastian Faena;

e o espartilho com cristais e pérolas

criado em 2011 por Mr. Pearl

para a atriz Dita Von Teese

Nas roupas íntimas masculinas, uma das poucas mudanças perceptíveis nas últimas décadas talvez sejam as calças mais folgadas na cintura, para deixar à vista as barras superiores de sungas e cuecas. A tendência, que primeiro causava um certo estranhamento, desde os célebres e pioneiros anúncios publicitários das grifes Calvin Klein e Empório Armani, nas décadas de 1980 e 1990, acabaria se tornando comportamento coletivo. A exposição também confirma que a roupa íntima, como a própria sexualidade e a intimidade de famosos e de anônimos, provoca muito interesse, debate e, quase sempre, controvérsias – mais pelas peças de escândalo do que pelas preciosidades resgatadas de outras épocas.

As peças mais valiosas, no acervo reunido pelo Victoria & Albert Museum, são também as mais antigas – da segunda metade do século 18 e do começo do século 19. Entre outras raridades de exotismo que sobreviveram por séculos até nossos dias, há as “roupas de baixo” e as calçolas majestosas com rendas, armações de metal e madeira e adornos infinitos criados sob encomenda da realeza e da nobreza. E há as formas de ampulheta distorcida em espartilhos, corpetes e corseletes de barbatanas em ouro e pedrarias, com dezenas de fios e hastes metálicas reforçando a amarração – peças usadas pela maioria das mulheres da nobreza e de posição social destacada até as duas primeiras décadas do século 20, quando foram enfim inventados os sutiãs – oficialmente patenteados nos EUA, em 1914, pela costureira Mary Phelps Jacob.

Fetiches à mostra: no alto, meia-calça

transparente com cinta-liga, criação de

artesãos franceses na década de 1870

que voltou à moda com o sucesso de

Marlene Dietrich no filme alemão de

Joseph von Sternberg O Anjo Azul

(Der Blaue Engel, 1930). Acima,

duas criações de Christian Dior:

colete em corsete com cinta-liga,

em releitura de 1950 para

as peças tradicionais do

século 19, e a camisola com

robe de chambre em fotografia

de 1953 de Irving Penn para

a revista Vanity Fair. Abaixo,

a camisola de luxo com saia curta,

criação de Cristobal Balenciaga de

1958; o corpete de nylon, novidade

da década de 1960 em criação de

Mary Quant; o vestido com espartilho

aparente criado por Antonio Berardi

em 2008 para a atriz Gwyneth Paltrow;

e Kate Moss, com Naomi Campbell em

uma festa da Elite Models em 1993,

em Nova York, com um vestido de

seda transparente que deixava

à mostra a calcinha e

os seios nus

 

Contudo, não são estas peças raras de outros séculos, das eras vitoriana e eduardiana, que mobilizam a atenção da grande maioria do público, e sim as peças de roupas íntimas que ganharam fama graças a celebridades do mundo fashion e da cultura pop às quais elas estão por algum motivo associadas. Nesta seção da mostra estão também os modelos de trajes transparentes de 1911 de Paul Poiret, as criações das décadas de 1920, 1930 e 1940 de Coco Chanel, as peças históricas de Dior, Givenchy, Balenciaga e Mary Quant dos anos 1950 e 1960 e, entre vários outros, sucessos recentes das passarelas e das linhas de lingeries de luxo de Vivianne Westwood, Gianni Versace, Jean Paul Gaultier, Alexander McQueen, John Galliano, Dolce & Gabbana e Stella McCartney.

A retrospectiva equivale a uma boa aula de História – em suas interfaces com a moda, a sexualidade, a moralidade e a tecnologia industrial. Porém, para além do sucesso de público, dos holofotes e das referências a celebridades muitas vezes tão instantâneas quanto efêmeras, o sentido de uma mostra dedicada a roupas íntimas, em um museu conceituado, por certo permite muitas leituras e polêmicas. Também permite críticas negativas argumentando sobre a falência da alta cultura, sobre os sintomas da obra de arte inexistente na pós-modernidade, do culto à futilidade, à submissão feminina, ao fetichismo da mercadoria. Ou, talvez, exposições como esta do Victoria & Albert Museum sejam apenas sinais bem característicos do tempo enigmático em que vivemos.

por José Antônio Orlando.

Como citar:

ORLANDO, José Antônio. Fetiches à mostra. In: _____. Blog Semióticas, 20 de abril de 2016. Disponível no link http://semioticas1.blogspot.com/2016/04/fetiches-mostra.html (acessado em .../.../...).

Para uma visita à exposição do Victoria & Albert Museum,  clique aqui.

Fetiches à mostra: Sophia Loren na capa

da revista Life em setembro de 1966,

fotografada por Alfred Eisenstaedt
durante as filmagens de

Matrimonio all'Italiana, filme

de Vittorio De Sica, e vestindo peças

de lingerie criadas exclusivamente para ela

por Pierre Balmain em Les Millionaires,

comédia com direção de Anthony Asquith e com

Petter Sellers e Vittorio De Sica no elenco, um dos

maiores sucessos de bilheteria de 1960. A canção tema

do filme, “Goodness Gracious Me” (Zoo Be Zoo Be Zoo)

que permaneceu mais de um ano como Top 5 na Inglaterra,

nos Estados Unidos e em outros países, foi o primeiro grande

sucesso de George Martin, que depois seria o produtor musical

dos Beatles. Também acima, pôster publicitário criado por

Hans Schleger para a Charnaux Patent Corset Co. Ltd

em 1936. Abaixo, uma seleção das galerias da exposição

no Victoria & Albert Museum em Londres

Aventuras da percepção

 

Ut quod ali cibus est aliis fuat acre venenum.

(O que é alimento para alguns, é amargo veneno para outros – In:

"De Rerum Natura", Titus Lucretius Carus, século 1° antes de Cristo).

Enquanto os brasileiros acompanham sucessivas ameaças de retrocessos nas questões dos Direitos Humanos e das liberdades individuais, com propostas anacrônicas de legislações para internação compulsória e endurecimento da repressão ao uso de psicoativos, em muitos países a discussão avança não só na descriminalização, mas também na abrangência em questões de saúde, educação e – por que não? – arte e cultura. Uma seleção de peso da produção de artistas sob a influência das drogas é o que propõe uma corajosa e oportuna exposição organizada pela Maison Rouge, um dos nobres endereços de referência em Paris sobre artes plásticas e design.

“Sous Influences – Arts plastiques et produits psychotropes” (Sob influência – artes plásticas e psicotrópicos) reuniu um acervo extenso e diversificado de 250 obras-primas de 90 artistas de vários estilos, várias épocas e vários países, incluindo trabalhos do brasileiro Hélio Oiticica. Todas as obras selecionadas para a mostra, de algum modo, estão ligadas aos efeitos de substâncias psicoativas e a maioria delas vem com a indicação “criada pelo artista em estados alternativos de consciência”. Como se pode prever, cada artista em cada criação apresentada tenta capturar sensações ou até mesmo alucinações provocadas pelas mais variadas experiências nas aventuras da percepção.

Aventuras da percepção: no alto da página,

Cogumelo venenoso fluorescente, instalação

e fotografia de 2004 de Carsten Höller, obra

que abre o catálogo da exposição apresentada

na Maison Rouge, em Paris. Acima, 

Trip triptych (1983), uma homenagem

do alemão Ralf Winkler ao outsider e

artista do grafite Jean-Michel Basquiat.

Abaixo, Basquiat em Nova York, em 1982,

com Annina Nosei, que foi sua primeira

agente; Dos cabezas, Andy Warhol e

Basquiat em pintura de 1982 de Basquiat;

e Basquiat em ação na Factory de

Andy Warhol, em Nova York, fotografado

em 1985 por Lizzie Himmel e em 1983

por Lee Jaffe. Também abaixo, visitante

observa uma pintura de Basquiat sem

título, identificada como Pecho/Oreja

“Desde o início dos tempos, desde o alvorecer da civilização humana, os artistas sempre encontraram pelo caminho substâncias psicoativas em plantas, fungos, maceração e bebidas as mais variadas, que levaram a passagens místicas, à iluminação, mas também provocaram confusão, intoxicação, morte” – explica Antoine Perpère, curador da exposição na Maison Rouge e coordenador de um centro de atendimento a dependentes químicos em Paris.

No texto em que apresenta a exposição, Perpère repete um célebre enunciado – “a diferença entre remédio e veneno é a dose” – atribuído desde a Idade Média ao místico Paracelso (1493–1541), um dos fundadores da Farmacologia, mas também poderia lembrar grandes poetas e pensadores dos últimos séculos como Charles Baudelaire, Arthur Rimbaud, Sigmund Freud, Walter Benjamin, Dylan Thomas, Aldoux Huxley, Allen Ginsberg, William Burroughs, Timothy Leary, Michel Foucault e Jim Morrison, entre outros que dedicaram a experiências com embriaguez, alucinógenos, e outros estados alterados de consciência, escritos preciosos, alguns deles destacados entre os documentos em exposição.

 

Aventuras da percepção:  acima,

entrada principal da Maison Rouge, em

Paris, com instalações multicoloridas,

ópio no aroma do incenso e sensações

lisérgicas provocadas por peças exclusivas

de design e pelas obras da exposição

Sob influência. Acima, três cartazes em

homenagem a Timothy Leary, um dos

mentores do LSD, com arte do músico e

performer multimídia francês Jaïs Elalouf.

Abaixo, Sans titre, escultura em tubos de

PVC de 2007 de Vincent Mauger

.

Psicofármacos e êxtase, pesquisa estética

"Os artistas, que sempre permanecem em busca de novas formas de criação, de transgressões, de estímulos, de caminhos para a imaginação, nunca estiveram alheios à descoberta dos efeitos das mais variadas experiências, inclusive a transgressão das drogas", reconhece Perpère. Para ressaltar os fundamentos da exposição, ele alerta sobre um necessário juízo de valor, uma vez que a proposta da curadoria foi traduzir, transcrever e documentar determinadas experiências de artistas a partir de substâncias psicotrópicas, antigas e novas, na tentativa de permitir que cada indivíduo perceba a complexidade constante de seus efeitos.

“O artista não é um drogado como qualquer outro porque o artista tem a preocupação de traduzir e transmitir o que vivenciou ao estar sob aquela influência", afirma o curador. Perpère enumera algumas questões conceituais sobre o “corpus”, antes de concluir a breve apresentação com um alerta: segundo o curador, a exposição, inédita e ousada, não tem por objetivo fazer julgamentos morais e muito menos apologia das drogas, mas sim buscar a reflexão e um melhor entendimento sobre as conexões entre processos criativos e o uso instrumental de substâncias psicoativas.

Entre os artistas reunidos em “Sous Influences” estão desde expoentes das vanguardas do começo do século 20, como Francis Picabia, Antonin Artaud e Jean Cocteau, até nomes contemporâneos como o grafiteiro e pintor Jean-Michel Basquiat, o cineasta Larry Clark, os fotógrafos Nan Goldin e Irving Penn, o pioneiro da arte multimídia Nam June Paik e também seu discípulo Takashi Marakami, entre outros, além de Damien Hirst, o multimilionário e supervalorizado inventor de instalações bizarras e polêmicas que ganharam a mídia na última década – com suas esculturas hiperrealistas de casais em mirabolâncias sexuais e urnas de vidro transparente com tubarões, vacas e ovelhas reais flutuando em formol.

Aventuras da percepção: no alto,
L'Aspirine c'est le champagne du matin,
instalação criada em 2009 em lâmpadas de
LED e alumínio pela francesa Jeanne
Suspuglas. Acima e abaixo, Dots Obsession
(Infinity Mirrored Room), 1998 
(Obsessão pelas bolinhas no infinito
quarto espelhado), instalação psicodélica
com espelhos, luzes e formas infláveis de
plástico flutuantes que simulam o infinito,
uma criação da arquiteta e artista plástica
japonesa Yayoi Kusama

Nesta exposição em Paris, Hirst surpreende mais uma vez com uma obra inédita, cifrada e complexa, simples apenas na aparência: batizada de “A Última Ceia”, pode ser descrita como uma série de serigrafias emuldoradas e dependuradas em uma parede. O que Damien Hirst faz é substituir as figuras de Jesus Cristo e seus 12 apóstolos por embalagens de remédios, cujos nomes foram trocadas por marcas de alimentos típicos da Inglaterra, como batatas, tomates, salsicha e feijão. Com isso, põe em destaque a denúncia sobre o peso que medicamentos controlados têm na vida cotidiana de milhões e milhões de pessoas.

Oiticica: anarquista, concretista, tropicalista

Mas Damien Hirst não é o maior destaque nem o mais ousado entre os artistas reunidos na exposição pioneira em Paris. Um dos que roubaram a cena e provocaram sensação na imprensa internacional, na abertura da exposição, foi o brasileiro Hélio Oiticica (1937–1980) , único latino-americano selecionado para a mostra. Apontado como “anarquista e atualíssimo” pela curadoria, pioneiro da Arte Concreta, do Neo-Concretismo e do Tropicalismo, iconoclasta e teórico, Oiticica está presente em “Sous Influences” com uma de suas intervenções incendiárias e incomuns nas proposições de suporte: a obra “Quasi-Cinema 02.CC5”, desenvolvida em 1973 para a série “Cosmococa”.

Aventuras da percepção: no alto,
Last Supper (2013), a “ última ceia”
em instalação com serigrafias de
Damien Hirst, que substituiu as
imagens de Cristo e seus 12
apóstolos por embalagens de
remédios com nomes de marcas
de alimentos típicos da Inglaterra.
Acima, o brasileiro Hélio Oiticica no
ateliê, no Rio de Janeiro, e a imagem
de Jimi Hendrix na incendiária
Quasi-Cinema 02.CC5, instalação
que Oiticica desenvolveu em 1973
para a série Cosmococa, agora em
destaque na mostra da Maison Rouge.

Abaixo, duas fotografias selecionadas de
1998 de Michel François, "Petite fille
et boteille"  e "L. a la datura"; três grafites
de Ernest Pignon fotografados nas ruas de
Paris em homenagem a Arthur Rimbaud;
e um breve registro em vídeo sobre
as obras e instalações da exposição


  



 

Hélio Oiticica, sempre lembrado por seus “Parangolés”, alegorias pontuadas de enigmas para vestir, questionador e indiferente a estilos e modismos, traduz o universo e a mística das drogas ilícitas através da distorção sobre uma imagem conhecida de um dos heróis da era do rock. Em direções opostas das previsíveis variações cromáticas chapadas de seu contemporâneo Andy Warhol, com quem conviveu durante vários períodos em Nova York, na década de 1970 – a intervenção de Oiticica questiona não a percepção das cores, mas o sentido das coisas: sua instalação fica em cima de uma mesa tradicional de madeira que tem, sobre os traços do rosto de Jimi Hendrix, linhas de pó branco, utilizando a capa do disco “War Heroes” como bandeja e, sob a capa, uma folha de papel alumínio.

Warhol, aliás, é uma das ausências sensíveis em “Sous Influences” – lembrado apenas indiretamente por citações ou por obras de seus pupilos e discípulos selecionados, certamente deixado de fora por conta das dificuldades burocráticas para a exibição de suas obras originais ou de réplicas em suportes variados. Mesmo considerando uma ou outra ausência sensível pelas afinidades do tema abordado, pelo que se vê nas imagens de divulgação e no “dossiê de imprensa” (veja links para visita virtual à mostra na Maison Rouge no final deste artigo), a curadoria teve o cuidado de reservar detalhes que podem levar o visitante à imersão em uma autêntica experiência psicodélica, com ambientes que aguçam por contraste todos os sentidos, em roteiros com iluminação surpreendente, pontuados de belas e estranhas imagens, acordes de música suave, ruídos intrigantes e até aromas simultâneos.

Aventuras da percepção: no alto,
pílulas e comprimidos diversos,
agulhas, fragmentos de radiografias,
acrílico e resina sobre madeira na
instalação Gravity's Rainbow Small
(Arco-íris de pequena gravidade),
trabalho de 1998 do norte-americano
Fred Tomaselli. Acima, artista islandês
Erró, colaborador de Björk, compara
seringa usada por viciados a arma
poderosa em Dáileog 2013 (Uma dose),
painel de 1,70cm de altura em diversas
técnicas, inspirado em personagens e
design de histórias em quadrinhos.


Abaixo, Autorretratos: o primeiro de
Antonin Artaud, ator, dramaturgo, poeta,
escritor, artista plástico, anarquista e
dissidente do movimento surrealista,
com obra em giz e carvão sobre papel,
de 1947; o segundo, pintura
em óleo sobre tela de 1939 do polonês
Stanislaw Ignacy Witkiewicz, também
dramaturgo, romancista, pintor,
fotógrafo, filósofo da arte e antropólogo,
que foi oficial do Exército Russo durante
a Primeira Guerra Mundial. Tanto Artaud
como Witkiewicz, com suas experiência
na arte e na literatura, traduzem e
simbolizam os efeitos das
drogas psicotrópicas e alucinógenas
sobre as sensações táteis e visuais

O visitante encontra, a partir da entrada da galeria principal da Maison Rouge, decoração e objetos em cores contrastantes, espelhos estrategicamente posicionados para provocar sensações de duplicidade ou vertigem, incensos que simulam cheiro de ópio e uma instalação lisérgica em Optical Art, do artista belga Carsten Höller, nomeada como "Swinging Corridor" (Corredor flutuante), criada em 2005 e reconstruída para o espaço de acesso à exposição, que leva o observador a acreditar que as paredes estão tremendo e em ligeiros movimentos contínuos. Os relatos do público indicam o efeito alcançado: segundo a curadoria, a maioria dos entrevistados na saída da instalação diz, muito surpresa, que chegou a sentir de forma nítida os efeitos da embriaguez e de outras viagens alucinógenas.

Aventuras da percepção: presença
do fotógrafo Irving Penn na mostra
Sous Influence, com duas imagens
da série fotográfica Mégots, de 1974,
com resíduos e pontas de cigarro
e de marijuana elevados ao status
de obra de arte. No alto, Dessin sous
l’influence du haschich (1853), do

médico Jean-Martin Charcot,
que foi professor de Freud.

Abaixo, reconstituição de uma instalação

da década de 1960 do artista e cineasta

francês Daniel Pommereulle, nomeada

como Objetos de tentação, com uma mesa
de mármore cheia de drogas e objetos
usados para consumi-las

Além de obras-primas de vários momentos da História da Arte, a mostra em Paris também reúne objetos raros, como uma seleção de equipamentos utilizados através nos tempos nas práticas de Farmacologia. Nesta seção, são especialmente enigmáticos os desenhos da série a nanquim feitos “sob a influência de haxixe”, a partir de 1853, por um dos nomes de destaque no Panteão das Ciências: Jean-Martin Charcot (1825–1893), célebre médico e cientista francês, autor de importantes contribuições para o conhecimentos de diversas doenças e síndromes, pioneiro da psiquiatria e professor de alunos que se tornariam referência até nossos dias, entre eles Sigmund Freud, Joseph Babinski e James Parkinson, entre vários outros.

Cenas e imagens de impacto

Na mesma seção da exposição, há também uma grande sala com fotografias e réplicas de objetos usados para o consumo de drogas no mundo inteiro – com destaque para a instalação de equipamentos de experiências sociais realizadas no decorrer do século 20 e na atualidade em países europeus como Suíça, Dinamarca, Holanda e outros, que têm espaços autorizados e livres com infraestrutura para viciados e dependentes químicos.

Aventuras da percepção: fotografia
e cinema na exposição sobre arte e
drogas da Maison Rouge, com Fix,
de 2012 (no alto), do fotógrafo espanhol
Alberto Garcia-Alix. A palavra “Fix”
escrita na parede é uma gíria usada
para “dose de droga”, normalmente
injetada. Acima, Le Poète Exhale
 (O poeta exala), fotografia de 1959
de Lucien Clergue que retrata
 Jean Cocteau, ativista cultural,
cineasta, poeta, escritor, dramaturgo,
artista plástico, diretor de teatro e ator.

Abaixo, Jean Cocteau fotografado em
1922 por Man Ray; um retrato de Jean Cocteau
e Jean Marais, fotografados em 1939 por
Cecil Beaton; e Jean Marais em
cena de Orfeé, filme de 1950 de
Cocteau. Viciado em ópio e álcool,
Cocteau retratou as alterações dos sentidos
da percepção provocadas pelos alucinógenos
em diversos trabalhos, entre eles o célebre
poema Ópium, de 1930, escrito e
ilustrado “sob influência”

  

Entre tanta obra surpreendente em exposição, uma das séries mais inusitadas são os autorretratos do norte-americano Bryan Lewis Saunder, todos declaradamente criados sobre efeito de drogas – com seu uso minucioso desde 1995 de pelos menos uma substância diferente a cada dia, ou a cada autorretrato, inspirado pelas variações e misturas mais escatológicas, de molhos absurdamente picantes a álcool, chás alucinógenos, cristais de metanfetamina, maconha, ópio, haxixe, cocaína e os mais diversos medicamentos “legais”.

Viagens com anfetaminas, LSD e tudo o mais também são traduzidas por diversos outros, inclusive em autorretratos – caso das duas séries de homenagens ao lendário Timothy Leary, professor de Harvard, ícone maior dos anos 1960, um dos mentores do LSD. Leary e o LSD são inspiração para os cartazes do artista multimídia francês Jaïs Elalouf e para as pinturas surrealistas do austríaco Arnulf Rainer, “Faces Farces”, autorretratos após o artista ter passado por alucinações com misturas de ácidos. Rainer, há alguns anos, foi ele mesmo objeto de estudos por especialistas, tendo participado de um programa de pesquisa científica da Universade de Lausanne sobre os efeitos do uso de drogas como o LSD. 

Aventuras da percepção: três imagens
de Faces Farces, uma sequência de
autorretratos do fotógrafo e pintor
austríaco Arnulf Rainer, todos feitos
sob influência, depois de alucinações
provocadas por experiências com LSD.
 Abaixo, uma serigrafia da série de 1987
American Express, do artista francês
Raymond Hains, que reconstituiu imagens
para demonstrar o efeito de distorções da
visão após o consumo de LSD e ácidos

O efeito infinito

Experiências com ácidos, anfetaminas e alucinógenos também fornecem o ambiente e a pesquisa de materiais e formas para a arquiteta e designer japonesa Yayoi Kusama. A partir de suas próprias viagens, registradas em um “diário eletrônico”, Yayoi Kusama deu início às pinturas e desenhos minimalistas que se repetem na estamparia que cobre suas instalações de labirintos – cenários onde o visitante pode penetrar e que parecem saídos de um parque de diversões do futuro, com luzes, espelhos e estruturas psicodélicas que simulam o infinito.

Entre as fotografias, há muitas imagens fortes – mas as de maior impacto por certo vem de Larry Clark, conhecido no mundo inteiro desde o cruel e realista “Kids” (1995), que mostra em tom de documentário o cotidiano de adolescentes às voltas com skates, Aids e todo tipo de uso diversional de drogas. Na exposição, Larry Clark apresenta uma série documental em sépia e preto e branco sobre viciados e suas práticas nos Estados Unidos – entre eles uma grávida injetando heroína.

O visitante também tem à disposição muitos filmes e peças de videoarte exibidos em grandes telões de alta definição. “Filmes e vídeos em suportes variados desempenham um papel especialmente importante nesta exposição”, explica Antoine Perpère, lembrando que só através do registro audiovisual é possível reconstituir experiências efêmeras e em alguns casos transcendentais, místicas, como as performances de Isadora Duncan, Artaud, o cinema poético e surrealista de Jean Cocteau, as performances contemporâneas de criação coletiva. 

 

 Aventuras da percepção: acima, três

autorretratos em técnicas diversas pelo

norte-americano Bryan Lewis Saunders,

que desde 1995 realiza pelo menos um

autorretrato por dia depois de fazer

“experiências” com os mais diversos tipos

de drogas e medicamentos. A partir do

alto, as telas batizadas de Marijuana;

½ Gramme cocaine; e Nature.

Abaixo, Morphine

Nas palavras do curador, o potencial do audiovisual surge como uma atualização das experiências ancestrais do Shaman – o curandeiro que viaja em espírito a outra dimensão e retorna para contar o que aprendeu para seus pares na tribo. No caso dos registros em exposição, filmes e peças em videoarte parecem permitir um melhor entendimento sobre a própria produção em artes plásticas, especialmente nos casos selecionados, em que se pode acompanhar desde tentativas iniciais de criação e transcrição pelo artista até a possibilidade de reconstituir, a partir da obra final. os processos de determinadas intuições ou percepções.

Antoine Perpère também alerta sobre a urgência da sociedade discutir a questão do uso diversional e medicinal de substâncias atualmente consideradas drogas lícitas ou ilícitas. “O que posso dizer é que tudo indica que guerra às drogas não funciona. Sou a favor da descriminalização do uso de drogas”, reconhece o curador. Seu argumento principal: na História da Civilização, as experiências com psicoativos não têm nada de novo. Vêm de séculos e, em alguns casos, milênios. Sem contar que substâncias como café, tabaco, álcool e tantas outras, hoje consumidas normalmente em larga escala, no mundo inteiro, um dia também já foram proibidas e consideradas ilícitas.

por José Antônio Orlando.

Como citar:

ORLANDO, José Antônio. Aventuras da percepção. In: Blog Semióticas, 1° de abril de 2013. Disponível no link http://semioticas1.blogspot.com/2013/04/aventuras-da-percepcao.html (acessado em .../.../...).

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