Inventando a Abstração

Não devemos então renunciar ao objeto,

jogá-lo aos ventos, desnudar o abstrato?

(Wassily Kandinsky, 1911).   

Qual foi a grande revolução da arte no último século? Provavelmente a resposta vai apontar para a ruptura nos padrões artísticos inaugurada pelas vanguardas europeias na passagem do século 19 para o século 20. O que vem à frente são os impressionistas, Paul Cézanne, Claude Monet, Édouard Manet, Pierre-Auguste Renoir, Edgar Degas; as primeiras mulheres a alcançar reconhecimento e projeção, como Berthe Morisot, Marie Bracquemond, Mary Cassatt e Natalia Goncharova; o fauvismo de Vincent van Gogh e Henri Matisse; o primitivismo romântico de Paul Gauguin e Toulouse-Lautrec, entre outros grandes mestres das artes plásticas, artistas radicais que tornaram a percepção do espaço pictórico um contraponto ao realismo da imagem que a evolução das novas técnicas da fotografia proporcionava.

A partir do Impressionismo, paisagem e figuras nítidas, realistas, aos poucos cedem espaço a novas experiências: com a luz, com a cor, com a perspectiva. A obra de arte passa a expressar a imaginação, o mundo interior do artista, a distorção, a metalinguagem, o conceito abstrato. É o nascimento da Arte Moderna. O Impressionismo daria origem a séries de movimentos, de escolas e de estilos similares, nos anos seguintes e décadas, incluindo o Fauvismo, o Cubismo, o Primitivismo, o Expressionismo, o Futurismo, o Suprematismo, o Dadaísmo, o Surrealismo e suas variantes.

Para celebrar um século das grandes revoluções das vanguardas na arte, o MoMA, Museu de Arte Moderna de Nova York, reuniu uma centena de artistas e 350 obras-primas que nunca haviam sido considerados em conjunto e que têm em comum um conceito multidisciplinar que perpassa todos os movimentos de vanguardas: a Abstração. São as obras-primas de um tipo novo e ousado de arte, que há 100 anos escandalizavam com formas abstratas os conservadores e o senso comum, habituados ao estilo realista e renascentista que perpetuava há séculos, como única possível, a arte greco-romana. 

Obras-primas de Kandinsky, pioneiro
da Abstração, em exibição no MoMA:
no alto, "Impression III (Konzert)",
de 1911, e dois estudos que precederam
a aquarela final. Abaixo, ilustração em
xilogravura de Kandinsky para a capa
de Der Blaue Reiter (O cavaleiro azul),
primeira edição de 1912 do almanaque
ilustrado e editado por Kandinsky e
por Franz Marc; e uma pintura de
Kandinsky com traços e cores abstratas
representando o cavaleiro e seu cavalo
criada em 1911 e que foi reproduzida
no mesmo almanaque. Todas as imagens
desta página foram extraídas do catálogo da
exposição Inventing Abstraction, 1910-1925

 

Ao reunir os primeiros passos da novidade radical, a mostra “Inventing Abstraction, 1910–1925” (Inventando a abstração) apresenta um roteiro diferente para a trajetória das vanguardas, fugindo ao lugar comum de selecionar certas obras como as mais representativas de cada movimento. No roteiro, a invenção da Arte Abstrata surge como uma rede que se move através de artistas e experiências, de Pablo Picasso e Georges Braque a Wassily Kandinsky, Duchamp, Mondrian, Malevich, Picabia, Kupka, Artaud, Man Ray e Georgia O'Keeffe, entre outros, em várias áreas de atuação e em nações diferentes. A rede converge para Paris no início do século 20.

Novo capítulo na História da Arte

Como o acervo de obras-primas, cedidas por diferentes museus e coleções de vários países, nunca havia sido antes reunido, a exposição representa um novo capítulo na História da Arte, no que se refere à Abstração – apontada como característica comum a todos os movimentos de vanguarda, mas nunca antes investigada como uma tendência singular a reunir esforços coletivos e experiências fundamentais à construção do que conhecemos por Arte Moderna. Muitos destes marcos estão no acervo que o MoMA apresenta ao público a partir de hoje (27 de dezembro) e até 15 de abril de 2013.

A arte de Kandinsky: no alto,
"Komposition V" (1911), seguida
de "Aquarell No. 13" e "Quadrate
mit konzentrischen Ringen" (Estudo
de cores em quadrados com anéis
concêntricos), ambas de 1913.
Abaixo, "Komposition IV", de 1911

O museu também oferece uma visita virtual à exposição e o catálogo completo que inclui reprodução das obras e ensaios de críticos e historiadores (veja o link no final deste texto). Além da visita on-line e do catálogo completo, também está disponível no portal do MoMA um aplicativo inovador: o mapa tridimensional da Abstração como trajetória dentro dos vários movimentos de vanguarda. Possível somente em suportes eletrônicos, o diagrama é móvel e, a cada passo ou a cada clique, oferece cadeias paralelas de links simultâneos para mapear as relações entre os artistas e suas principais obras.

Pela primeira vez, estão reunidos em uma única exposição os trabalhos mais antigos e mais influentes do abstracionismo e da não-figuração, incluindo pinturas, desenhos, livros, esculturas, filmes, fotografias, poemas sonoros, música atonal e apresentações ao vivo de dança e orquestra. Ao visitante está proposta uma imersão em imagens e sons de 350 obras monumentais e instalações originais em mídias simultâneas.

  

Um Kandinsky e dois Mondrian:

no alto, "Farbstudie mit Rauten"

(Estudo de cores com losangos),

de Kandinsky, de 1913, seguido de

"Compositie" (1916) e "Lozenge

Composition with Yellow, Black, Blue,

Red and Gray" (1921), de Piet Mondrian.

Abaixo, fragmentos de uma performance

libertária de Isadora Duncan nos ensaios

fotografados por Eadweard Muybridge

em 1898; e coreografias de Isadora

desenhadas a lápis em pranchas por

Valentine Lecomte em 1903

A abstração a partir dos primeiros registros em suportes e expressões das mais diversas: pinturas de Kandinsky e Picabia, esculturas de Vladimir Tatlin, gravuras de Mondrian e Malevich, os “ready made” (objetos relidos) de Duchamp, os móbiles, textos impressos e a reprodução do som, poemas de Guillaume Apollinaire rabiscados nas trincheiras da Primeira Guerra Mundial, o espontâneo nas performances libertárias de pés descalços de Isadora Duncan, experiências musicais ainda radicais de Debussy, Satie, Schoenberg e Stravinsky, o lirismo das manipulações e sobreposições da novidade das imagens em fotografia e cinema. 

 

A maior das inovações do Modernismo

Observando esta seleção de obras-primas que nunca havia sido reunida, percebemos que o conceito de Abstração pode ser de fato a maior das inovações do Modernismo. É o que defende a curadora do MoMA, Leah Dickerman, no ensaio que abre o catálogo da exposição. O argumento faz todo sentido, mesmo que hoje seja tão cotidiano e permanente nosso convívio com as imagens abstratas: chega a ser difícil conceber um momento em que uma obra de arte não-figurativa era inimaginável ao ponto de se tornar alvo de protestos e ofensas.

Duas obras-primas de 1912: no alto,
"Study for Le Modèle nu dans l'atelier",
de Fernand Léger. Acima, "Danses à la
source II" (Danças da primavera),
das obras-primas de Francis Picabia.

Abaixo, "Paysage à Cassis", pintura
em óleo sobre tela de 1911 de Picabia

No entanto, quando essas obras apareceram pela primeira vez, de repente, há cerca de 100 anos, levantaram muita surpresa e espalharam polêmicas. A obra mais antiga na exposição é de Picasso: “Trois femmes”, tela de 1908. Mas aqui ainda há o apelo da figura, mesmo que diluído por Picasso nas distorções e perspectivas intrigantes que ele mesmo levaria a extremos nas décadas seguintes.

O conceito inaugural da Abstração é atribuído aos estudos e aquarelas que Kandinsky desenvolveu em 1910. Pela primeira vez, intencionalmente, a arte dispensava um assunto reconhecível aos padrões realistas. Em 1911 e 1912, aconteceriam exposições em Paris em que a Abstração virou objeto de escândalo: Kandinsky, Léger, Picabia e outros lançaram obras que marcaram o início de algo radicalmente novo.

Inventando a Abstração: no alto, “Mare = Ballerina”,

gravura de 1913 em técnica mista de Gino Severini.

Acima, arte de Sonia Delaunay para a capa da

primeira edição de “Poèmes, 1898-1913”, obra

de Guillaume Apollinaire, seguida de fac-símile dos

caligramas de Apollinaire de 1915 "Poema para Lou"  

e de “Lettre-Océan”, poema visual de Apollinaire

publicado no “Les Soirée de Paris” (1914).

Abaixo, duas pinturas em óleo sobre tela de

Francis Picabia, "La source (The spring)"

(A fonte, a primavera), de 1912, e "Je revois

en souvenir ma chère Udnie" (Eu me lembro

do meu querido Udnie), de 1914

Mesmo radicais em suas concepções, sem nenhum paralelo nos séculos anteriores de História da Arte, as implicações da ruptura das primeiras obras de tema abstrato se propagaram com uma rapidez surpreendente: em cinco anos, praticantes de Abstração podiam ser contados às dezenas, nas capitais da Europa e em diversos outros países – inclusive no Brasil, onde o amazonense Manuel Santiago (1897–1997), orientado por seus primeiros mestres em Belém do Pará, produziria séries de telas de inspiração abstrata a partir de 1916.

O ataque a Anita Malfatti

Entre nós, há também o escândalo provocado pela crítica demolidora de Monteiro Lobato à pintura de Anita Malfatti. Recém-chegada de temporada de estudos em artes plásticas na Europa e nos Estados Unidos, em 1917, Anita organiza uma exposição com seus trabalhos inspirados nas novas tendências, em oposição à arte tradicional. Logo na abertura do evento, trava contato com um grupo de amigos vanguardistas de São Paulo, entre os quais estavam Mario de Andrade e Oswald de Andrade, mas poucos dias depois é surpreendida com um escândalo: um artigo virulento e retrógrado, assinado por Monteiro Lobato, publicado em dezembro de 1917 no jornal "O Estado de S.Paulo”, ultrapassou os limites do bom-senso e provocou reações apaixonadas do público, favoráveis e contrárias ao seu veredito, apontado como estopim para a Semana de Arte Moderna de 1922. O resultado foi traumático para Anita, que ficou durante anos isolada de todos e demorou décadas a retornar aos trabalhos em artes plásticas.

Denominado “Paranoia ou Mistificação?”, o artigo de Monteiro Lobato sobre a exposição de Anita Malfatti destaca que a obra de Anita é “produto dos tempos decadentes, de cérebros deformados”, e que a única diferença entre sua pintura e aquela feita nos manicômios, como terapia, é que a dos loucos era "arte sincera". Confira um trecho da argumentação equivocada e raivosa de Monteiro Lobato:

“Há duas espécies de artistas. Uma composta dos que veem normalmente as coisas. A outra espécie é formada pelos que veem anormalmente a natureza e interpretam-na à luz de teorias efêmeras, sob a sugestão estrábica de escolas rebeldes, surgidas cá e lá como furúnculos da cultura excessiva. Embora eles se deem como novos, precursores de uma arte a vir, nada é mais velho do que a arte anormal ou teratológica: nasceu com a paranoia e com a mistificação. Essas considerações são provocadas pela exposição da senhora Malfatti, onde se notam acentuadíssimas tendências para uma atitude estética forçada no sentido das extravagâncias de Picasso e companhia”. 

No alto, “Synchrony in Orange, To Form”

(Sincronia em laranja, para formar), pintura

de 1913-1914 de Morgan Russell. Acima,

“Mariage comique” (Comédia de casamento),

de 1914, obra de Francis Picabia. Abaixo,

"Le passage de la vierge à la mariée"

(A passagem de virgem a casada),

pintura em óleo sobre tela de 1912

de Marcel Duchamp

 

Além de Anita Malfatti, há também a presença marcante da arte de Tarsila do Amaral como representante brasileira nas frentes de vanguarda. Tarsila frequentou ateliês de mestres em Paris, travou amizade com Fernand Léger, Pablo Picasso e Blaise Cendrars, entre outros, e também flertou em diversos momentos com a arte abstrata, mas jamais abandonaria definitivamente na pintura suas figuras de moldes personalíssimos. No Brasil, a Abstração só faria escola a partir do final da década de 1940, quando se destacam trabalhos de pioneiros do não-figurativismo como Antônio Bandeira e Cícero Dias, além do Ateliê Abstração (1951), tendo à frente Samson Flexor. 

 

Do convívio à influência

A curadora da exposição do MoMA explica que o surgimento das primeiras imagens abstratas foi resultado da combinação de esforços pessoais de grandes gênios e dos avanços tecnológicos extraordinários que aquela época testemunhava. É o auge da Belle Époque, da popularização da fotografia e do cinema, dos novos meios de poesia sonora com a gravação do som e de uma profusão de imagens impressas em jornais, revistas, histórias em quadrinhos e anúncios publicitários. Neste cenário, a novidade da Abstração revolucionou o antigo conceito de arte baseado exclusivamente na imitação figurativa da realidade. 

Quatro abstrações de Georgia O'keeffe:
a partir do alto, “Blue II” (1916),
“Music – Pink and Blue N° 2” (1918)
e “Grey Line with Lavender
and Yellow” (Linha cinza com lavanda

e amarelo), pintura de 1923.

Abaixo, "Inside red canna", pintura em

óleo sobre tela de 1919; e "Abstration",

escultura de bronze laqueada em

branco também de 1919

 

A trajetória da Abstração se confunde com a própria Arte Moderna, como comprova o diagrama apresentado pelo MoMA. É, também, uma trajetória de grandes amizades. Do convívio à influência: amigos apresentavam novos amigos por afinidades e a ideia do novo se propagava. Cada um apresenta contribuições da maior importância, mas o centro eram os nomes mais populares entre o grupo de amigos – caso do poeta Apollinaire, apontado pela curadora do MoMA como "o mais social, o mais conhecido, o homem de mais longo alcance em seu tempo".

Amigo “de todo mundo em Paris”, Apollinaire também travou relações com muitos para além das fronteiras da França. Ele está na origem de tudo: foi quem apresentou Picasso a Georges Braque – e, daquela nova amizade, surgiriam as bases e as obras-primas do Cubismo, que assombraram os amigos artistas e motivaram novas experiências radicais do grupo que incluía Duchamp, Picabia, Léger, Kupka, Kandinsky e vários outros.

No alto, “Spielende Formen”
 (Jogando formas), de 1914, por
Franz Marc. Acima, ilustração de
Sonia Delaunay para “La Prose
du Transsibérien et de la petite
Jehanne de France” (Prosa do
Transsiberiano e a Pequena Joana
da França), publicado em 1913
pelo poeta Blaise Cendrars.

Abaixo, encadernação criada por

Sonia Delaunay para a obra-livro

"Les pâques" (A páscoa), apresentada

em 1913 por Blaise Cendrars

Autor da primeira obra definida como abstrata (“Impression III, Konzert”, de 1911, exibida no MoMA com dois estudos que a precederam), Kandinsky tornou-se uma força na criação e na promoção da arte da Abstração. Entre os ensaios do catálogo, há quem o aponte como mentor da nova experiência, através de seus esforços ousados como pintor, teórico, editor, organizador de exposições, professor e anfitrião generoso para dezenas de artistas e escritores que viajaram, muitas vezes a grandes distâncias, para conhecê-lo, nas temporadas que viveu em Munique, Alemanha, e em Moscou, Rússia. Mas Kandinsky recusou o emblema de pioneiro e atribuía a outro mestre, o músico Arnold Schoenberg, a concepção do abstrato na arte. 

 

Coleção de obras-primas

Entre 1910 e 1925, Kandinsky produziria uma sucessão de obras-primas em Abstração e influentes tratados teóricos que levaram a ideia da abstração à formação de gerações de artistas em diversos países, entre eles “Über das Geistige in der Kunst” (Sobre o espiritual na arte), de 1910. O caminho inicial de Kandinsky, seu estilo festivo muito pessoal de linhas e cores, ganharia derivações que ampliaram o conceito de abstrato, entre elas as figuras em decomposição de Picasso e as construções geométricas de Malevitch e Mondrian.

No alto, “Les Disques” (1918), de
Fernand Léger. Acima, “Zhivopisnye
massy v dvizhenii” (Massa pintada em
movimento), de 1915, pintura em óleo
sobre tela de Kazimir Malevich.

Abaixo, "Suprematizm: aeroplan

letit" (Suprematismo: aeroplano

voando), obra de 1914 de Malevich

Em seu papel de professor, Kandinsky propagou uma ideia muito particular da Abstração e da Arte Moderna, atuando como coordenador de programas de arte e design na Rússia, depois da Revolução de 1917, e posteriormente na Escola Bauhaus, na Alemanha. No círculo de amigos que gerou a Abstração e todos os grandes movimentos de vanguarda, no período anterior à Segunda Guerra Mundial, há ainda o centro que se estabeleceu a partir de Picasso e Braque, depois da invenção do Cubismo.

Genial e contraditório, Picasso também sempre recusou o emblema de inventor da arte abstrata. Contudo, seu papel na origem da concepção da Abstração na arte é, por certo, anterior às experiências de Kandinsky e outros pioneiros. Vem dos estudos e experiências que o artista espanhol arriscou desde 1900, ainda na Espanha, antes de seguir para tentar a sorte em Paris. Curiosamente, o flerte de Picasso com a Abstração esteve mais intenso em 1910 (mesma época das primeiras experiências abstratas de Kandinsky), durante a temporada de verão que ele passou em Cadaqués, na Catalunha.

Inventando a Abstração: no alto,
Rodchenko, “Bespredmetnaia
zhivopis No. 80” (Pintura não
objetiva N° 80), de 1918, seguida
de duas obras-primas de Hans Arp,
“Dada” (1920) e “Untitled” (1917).

Abaixo, uma fotografia de Alfred Stieglitz

da série intitulada "Music - A sequence

of ten cloud photographs" (Musica,

uma sequência de dez fotografias

de nuvem), de 1922

Mulher com bandolim

“Femme à la mandoline” (Mulher com bandolim), presente na exposição do MoMA, e outras obras-primas que Picasso criou naquele verão de 1910 em Cadaqués, não deixam dúvidas sobre a autoria da novidade da Abstração: há traços, cores, formas em perspectiva, mas somente sobrevive na atenção do observador uma ideia, sua qualidade, que não confere nenhuma certeza de interpretação ou de realismo figurativo. No entanto, depois destas obras radicais, Picasso seguiria em outras experiências, outras direções. Mais tarde, declarou que a abstração era impossível.

"Não há arte abstrata, nunca houve”, registrou Picasso em célebre entrevista à revista “Time”, publicada no final da década de 1930, que rendeu legiões de desafetos ao artista espanhol. “Você sempre tem que começar com alguma coisa. Depois, você pode remover todas as aparências da realidade, mas não há perigo, então, de qualquer maneira, porque a ideia do objeto terá deixado uma marca indelével". 

Imagens de Picasso na mostra
do MoMA: em autorretrato de 1910, em
seu estúdio no Boulevard de Clichy, Paris,
tendo ao fundo o desenho “Femme nue
debout”, seguido de “Trois Femmes” 
(Três mulheres), de 1908, e “Femme à la
mandoline” (Mulher com bandolim), de 1910.

Abaixo, "Étude pour une constrution",

desenho de 1912 em papel transparente

 

As palavras radicais de Picasso, entretanto, não renderam indignação de outros mestres, como Kandinsky, Duchamp ou Mondrian. Muito pelo contrário. Como destaca a conclusão da curadora Leah Dickerman, na apresentação à exposição, entre os grandes nomes das vanguardas, Picasso talvez seja o que manteve as amizades mais duradouras ao longo da vida – e também quem levou a arte mais longe e antes de todos os outros, em experiências radicais e pioneiras, sempre revelando novidades imprevisíveis sobre os caminhos a seguir.

por José Antônio Orlando.


Como citar:

ORLANDO, José Antônio. Inventando a Abstração. In: Blog Semióticas, 27 de dezembro de 2012. Disponível no link http://semioticas1.blogspot.com/2012/12/inventando-abstracao.html (acessado em .../.../…).

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