Sobre Fredric Jameson

Os últimos anos foram marcados por um milenarismo invertido em que 

todo pensamento sobre o futuro, catastrófico ou redentor, foi substituído 

por sentidos do fim deste ou daquele sistema: o fim da ideologia, da 

história, da arte, da luta de classes, da social-democracia ou do estado 

de bem-estar social, etc., etc., etc.; em conjunto, todos estes “finais” 

talvez constituam o que vem sendo chamado de pós-modernismo. 

–– Fredric Jameson.  

Para muitos, Fredric Jameson, que morreu ontem (22 de setembro), aos 90 anos, foi um dos mais importantes e mais influentes pensadores de nossa época. Autor de referência em um vasto espectro bibliográfico das Ciências Humanas, da Sociologia à História, das Comunicações às Ciências Políticas, das Letras à Filosofia, Jameson foi brilhante em várias frentes, como crítico literário, como crítico cultural e como teórico marxista. Suas ideias, seus livros e seus ensaios talvez sobrevivam pelas próximas décadas em destaque.

Tive a sorte de entrevistá-lo há exatamente duas décadas, em 2004, em sua passagem por Belo Horizonte, onde participou como conferencista em um seminário internacional promovido pela UFMG. Na realização da entrevista, fui acompanhado por duas autoridades, as professoras da Faculdade de Letras da universidade Eneida Maria de Souza, leitora contumaz da obra de Jameson e também conferencista no mesmo evento, e Ana Lúcia Gazzola, uma de suas tradutoras e, na época, reitora da UFMG.

Na entrevista, publicada pelo jornal O Tempo, Jameson comentou sobre suas surpresas com o Brasil e, com muito bom humor e ironia, sobre algumas diferenças peculiares que descobriu de Minas Gerais com o Rio de Janeiro, com São Paulo e com o Rio Grande do Sul, que ele também visitou naqueles dias. Falou sobre a gastronomia, sobre a música que ouvia nas ruas, sobre o repertório eclético de seus ouvintes nas conferências e sua expectativa para visitar os cenários barrocos de Ouro Preto e o Adro dos Profetas do Aleijadinho em Congonhas, que ele conhecia de longa data por fotografias. Também falou com muito otimismo sobre as expectativas para um primeiro governo de esquerda no Brasil – o presidente Lula havia sido eleito para o primeiro mandato e estava no cargo há pouco mais de um ano.

Sobre Fredric Jameson: no alto, Jameson na sala de aula,

na Duke University, em 1988. Acima, na Sala São Paulo,

em 2011, convidado como conferencista do simpósio

internacional Fronteiras do Pensamento. Abaixo,

reprodução da capa do último livro de Jameson,

"Inventions of a present", publicado em maio

pela Verso Editions. Nas imagens abaixo, Jameson

no Fronteiras do Pensamento em São Paulo

 

O futuro do capitalismo

A entrevista durou cerca de uma hora, no intervalo após o almoço típico da cozinha mineira. Jameson demonstrou ser um brasilianista – um conhecedor da cultura e da literatura brasileira, com avaliações e comparações sobre algumas notícias que viu em destaque na imprensa e sobre os filmes “Cabra Marcado para Morrer”, de Eduardo Coutinho, “Terra em Transe” e “Deus e o Diabo na Terra do Sol”, de Glauber Rocha, e também Machado de Assis, Jorge Amado, Guimarães Rosa, Clarice Lispector, canções da Bossa Nova e do Tropicalismo.

Concluímos a entrevista com um questionamento sobre o futuro do capitalismo e sobre o cenário de guerra que estava no horizonte – os eventos de 11 de setembro de 2001 ainda eram história recente e uma questão inevitável a ser abordada. Jameson foi pessimista nas previsões, mas ressaltou alguma promessa de felicidade nos rumos da arte e da literatura, na maneira como arte e literatura sempre colocam em primeiro plano não as soluções ocasionais para um problema, mas as grandes contradições de uma época, o que sempre vem possibilitar, para os estudos acadêmicos e para o exercício do pensamento crítico, “o salto de um tigre em direção ao passado e em direção ao entendimento do tempo presente”.

Nas expectativas sobre o futuro também estavam, segundo Jameson, as previsões para um novo ciclo de democracia e de desenvolvimento para os países da América Latina, que pela primeira vez, depois de décadas, estavam deixando para trás regimes autoritários e ditaduras militares. Quanto ao progresso econômico e à superação dos abismos na distribuição de renda, no entanto, suas expectativas eram reticentes, ainda que bastante realistas e bem fundamentadas. Progresso sim, ele reconhecia, mas com certeza um progresso caminhando a passos lentos e pontuados de incerteza. Nas palavras de Jameson: seria mais fácil imaginar o fim do mundo do que o fim do capitalismo.

A invenção do presente

O livro mais recente de Jameson também aborda este “salto do tigre” em direção ao passado. Inventions of a Present: The Novel in Its Crisis of Globalization (Invenções de um presente: o romance em sua crise de globalização), com título retirado de uma epígrafe de Mallarmé, foi lançado em maio pela Verso Editions de Londres e Nova York. Ainda sem publicação no Brasil, traz uma coletânea de ensaios sobre livros e autores – sobre romances, como indica o subtítulo, e sobre autores recorrentes nas reflexões de Jameson, tais como Joseph Conrad, Henry James, Norman Mailer, Margaret Atwood, Günter Grass, Gabriel García Márquez e outros.

No Brasil, a extensa obra de Jameson (com cerca de 30 livros em inglês) tem alguns poucos títulos editados em uma variedade de editoras. Dos mais recentes, Arqueologias do futuro: O desejo chamado Utopia e outras ficções científicas saiu em 2021 pela Editora Autêntica. Um dos mais conhecidos, Pós-Modernismo – A lógica cultural do capitalismo tardio, saiu em 1997 pela Editora Ática, que também publicou outros dois livros centrais no pensamento autor, O inconsciente político, em 1992, e As sementes do tempo em 2008.

Outras edições nacionais são Espaço e imagem: teorias do pós-moderno e outros ensaios, que saiu em 2006 pela Editora da UFRJ; As marcas do visível, que saiu em 1995 pela Editora Graal e foi reeditado em 2007 pela Editora Paz e Terra; e Modernidade singular, editado em 2005 pela Editora Civilização Brasileira, que também publicou em 2006 A virada cultural. Em 2001 foi lançado A cultura do dinheiro pela Editora Vozes. Em 1997, O marxismo tardio: Adorno, ou a persistência da dialética foi publicado em edição conjunta da Editora UNESP e da Boitempo Editorial.

A utopia de pensar o futuro

Há também o primeiro livro de Jameson lançado no Brasil, Marxismo e forma: teorias dialéticas da literatura no século XX, publicado pela Editora Hucitec em 1985, além de ensaios dispersos em coletâneas e publicações científicas. A grande maioria dos livros que Jameson publicou, contudo, permanece inédita em português, entre eles seus célebres estudos sobre autores que estão na gênese de seu pensamento crítico – como Jean-Paul Sartre (Sartre: The origins of a style), Walter Benjamin (Benjamin filles) e Bertolt Brecht (Brecht and method).

O legado de Jameson é inegável e também incontornável. Ao retomar pressupostos de pensadores que vieram antes dele, e também de seus contemporâneos, ele atualizou a perspectiva utópica de pensar o futuro sob o prisma da transformação social e cultural. Quando suas ideias e seus livros começaram a ganhar destaque, na década de 1970, a novidade de Jameson estava, principalmente, no reconhecimento das múltiplas camadas do texto literário (e também do cinema e de outras formas narrativas). Tal novidade pode ser percebida ainda hoje na leitura de sua primeira publicação de destaque, Marxismo e forma, de 1971. O livro, que surge no contexto da Nova Esquerda dos EUA, apresenta uma revisão ousada, e também didática, sobre as contribuições da tradição de crítica cultural marxista da Europa, incluindo Lukács, Adorno, Benjamin, Bloch, Marcuse, Sartre e outros autores que, naquele momento histórico, também eram lançados no ambiente acadêmico brasileiro.

As circunstâncias históricas e o contexto social de um texto (ou de uma narrativa, ou de um determinado objeto estético), da mesma maneira que seu conteúdo, nas análises de Jameson direcionam a interpretação, seja em uma abordagem sobre uma obra canônica da literatura ou sobre gêneros e autores raramente estudados no contexto acadêmico, desde a ficção científica até histórias policiais de Raymond Chandler ou filmes que escapam ao gosto da crítica tradicional ou do senso comum. Mesmo diante da cultura de massa e das formas que a crítica considera degradadas na cultura contemporânea, como o cinema mais comercial ou obras voltadas para o entretenimento, as armas da dialética marxista estão, para Jameson, a serviço de análises que evidenciam profundas contradições formais, contribuindo para revelar aspectos férteis para uma utopia de transformação ou para o surgimento de algum senso crítico no público ou no leitor.

A formulação de alternativas

Nascido em Cleveland, Ohio, em 1934, com doutorado em Yale, em 1959, e desde 1985 professor na Duke University, Carolina no Norte, Jameson tornou-se um teórico central em abordagens sobre marxismo, modernismo, pós-modernismo e aproximações entre literatura e outras artes. De sua tese inaugural, sobre a literatura de Sartre, às discussões críticas sobre arquitetura, filmes, artes visuais, autores de ficção ou trabalhos estritamente filosóficos, as questões teóricas sobre ideologia e modernismo que Jameson aborda quase sempre vêm revelar as contradições do capitalismo. Pelas diretrizes e conclusões de suas análises, o leitor entende como as formas culturais refletem e participam da dinâmica histórica do poder e das ligações inevitáveis entre política, economia e cultura. Conforme Jameson ressalta, as formas culturais são determinadas por modos de produção que são resultado de escolhas históricas, mas que não são eternas. Sempre é possível mudar tudo.

Estas ligações inevitáveis entre política, economia e cultura dimensionam a tese que resume sua obra mais famosa, Pós-Modernismo – A lógica cultural do capitalismo tardio, de 1991. No livro, Jameson, com seus argumentos sempre questionadores e inconformistas, introduz o conceito de pós-modernismo como uma fase histórica, e não um estilo, ligada ao capitalismo tardio, argumentando que a fragmentação e a superficialidade da cultura contemporânea não são apenas estratégias de alienação: elas são, na verdade, sintomas das transformações políticas e econômicas do mundo globalizado. Talvez por isso a grande urgência para o pensamento crítico que Jameson propõe esteja na formulação de alternativas, diante do caos ou diante da complexidade, para desmascarar e transformar as estruturas de poder que dominam e condicionam a cultura contemporânea.

por José Antônio Orlando.

Como citar:

ORLANDO, José Antônio. Sobre Fredric Jameson. In: Blog Semióticas, 23 de setembro de 2024. Disponível em: https://semioticas1.blogspot.com/2024/09/sobre-fredric-jameson.html (acessado em .../.../…).

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Fredric Jameson homenageado em colagem de Matthieu Bourel.

Abaixo, a íntegra de uma conferência de Jameson

 

no simpósio Fronteiras do Pensamento

 

Arte do cartaz em 1900

 

Belas artes são aquelas em que a mão,

a cabeça e o coração andam juntos.

–– John Ruskin, 1870.   

Uma revolução das técnicas de composição e de impressão gráfica aconteceu no final do século 19, dando origem a uma nova forma de arte que ficaria conhecida como arte do pôster ou do cartaz. Mais de 130 anos depois, um acervo original com cerca de 500 peças raríssimas e preservadas na íntegra, que fazem parte da Coleção Leonard A. Lauder, foi reunido pelo Metropolitan Museum de Nova York para a exposição “The Art of Literary Poster” (A arte do pôster literário). O acervo permanecia inédito desde o começo do século 20 e agora, com a exposição, também está publicado em um catálogo de capa dura, com 248 páginas e todas as imagens com reprodução colorida em alta definição. No recorte temático estão cartazes em litografia e outras técnicas de gravura, impressos em policromia, no suporte papel, produzidos na última década do século 19 e nos primeiros anos do século 20, para anunciar lançamentos e novas edições de revistas, jornais, folhetins e livros. Em muitos deles, as figuras mostram pessoas lendo.

Impresso para ter vida efêmera, colado em paredes e muros dos centros urbanos, o cartaz vem de uma longa história em vários países. Uma abordagem teórica e historiográfica sobre a trajetória do cartaz no final do século 19 foi apresentada por Marcus Verhagen, historiador e professor da Universidade da Califórnia, no ensaio “Aquela arte volúvel e degenerada” (publicado no livro “O cinema e a invenção da vida moderna”, pela Cosac & Naify, em 2001). Inicialmente o cartaz era considerado apenas um recorte de papel impresso sem valor agregado, produzido às pressas sem maiores preocupações estéticas – “uma ferramenta comercial tosca, um anúncio em preto-e-branco com uma imagem altamente esquemática ou sem nenhuma imagem”, como ressalta Verhagen. A partir das últimas décadas do Oitocentos, no entanto, com a incorporação da impressão em cores e de novas técnicas, os cartazes criados para anúncios publicitários tiveram um salto de qualidade, conquistando o interesse de colecionadores e, muitas vezes, o entusiasmo dos críticos de arte.

 

 

Arte do cartaz em 1900: no alto da página, um detalhe

do cartaz promocional para divulgar o lançamento
da revista The Quartier Latin em 1898-1899,
em criação de Louis John Rhead. Acima, capa

  do catálogo da exposição no Metropolitan Museum

e a íntegra do cartaz de The Quartier Latin.

Abaixo, cartaz de lançamento de Three Gringos

in Central America and Venezuela, livro de contos

de Richard Harding Davis, com ilustração de

Edward Penfield inspirada nas pinturas de

Paul Gauguin sobre o Haiti. Também abaixo,

cartaz de Penfield anunciando uma reportagem

sobre a guerra entre Estados Unidos e Espanha,
destaque em fevereiro de 1899 na Harper’s

A moda em Art Nouveau

Esta nova era transformou o cartaz publicitário em uma nova mídia em ascensão que ganhava destaque nas ruas. O cartaz também passava a ser identificado como um dos elementos principais de um novo estilo que ficaria conhecido pelo nome em francês Art Nouveau – o estilo da arte decorativa que teve seu centro irradiador em Paris, no fim do século 19. Rapidamente, o potencial de consumo que surgia com a nova moda espalhou-se por cidades da Europa e de outros continentes. Em Londres, o novo estilo tem seu equivalente com o movimento Arts and Crafts Exhibition Society, que teve o pintor e ilustrador de livros Walter Crane como primeiro líder e presidente.

A Arts and Crafts Exhibition Society montou a sua primeira exposição anual em 1888, mostrando exemplos de trabalhos que ajudassem a elevar o estatuto social e intelectual do artesanato, incluindo cerâmica, têxteis, metalurgia e mobiliário. Muitos dos artistas e artesãos que se envolveram com o movimento não só em Londres, mas também em Birmingham, Manchester, Edimburgo, Glasgow e outras grandes cidades do Reino Unido, foram influenciados pelo trabalho de um designer de sucesso na época, William Morris. Destacado também como ativista social e escritor, o próprio Morris reconhecia sua inspiração nas ideias do principal crítico de arte da Era Vitoriana, John Ruskin, elaborando novos padrões técnicos de artes gráficas e, assim como acontecia na França e outros países, novos modelos muito populares na arquitetura e como estilo intermediário entre a indústria e a arte, adotados na produção de máquinas, móveis, roupas, objetos funcionais e tudo o mais que o termo “design” passou a englobar e traduzir, provocando transformações radicais ou substituindo, gradativamente, as tradicionais oficinas de artes e ofícios.

Naquela época, o estilo Art Nouveau e a arte do cartaz se multiplicavam com velocidade, junto com o surgimento da eletricidade nos centros urbanos e a chegada dos automóveis que substituíam as antigas carroças, carruagens e bondes puxados a cavalo. O novo estilo era celebrado como a última moda, passando a contar com novos adeptos e novos consumidores. Evoluindo junto com as linhas de produção em massa da indústria mercantil e com a indústria do entretenimento, os cartazes se multiplicavam anunciando os espetáculos de ópera, de teatro, de vaudeville, os shows musicais em casas noturnas e a novidade do cinema. O projeto em comum aos artistas que adotavam o novo estilo combinava a tradição das belas artes com o artesanato em marchetaria e a produção de mercadorias utilitárias para consumo doméstico, alcançando também o mundo das artes, a pintura, a escultura e todas as técnicas de desenho e gravura.

 

 

Arte do cartaz em 1900: no alto, litografia de

Jules Chéret, o “inventor da arte do cartaz”,

anunciando, em 1889, a inauguração do

Moulin Rouge, casa de espetáculos que

marcou época em Paris. Acima, cartaz ousado

de 1896 de Henri de Toulouse-Lautrec,

com inspiração nos cartazes de Chéret,

criado para Troupe de Mlle. Églantine,

espetáculo musical parisiense que estreava

temporada em Londres, no Palace Theatre

of Vaeties, com a estrela Jane Avril,

uma das musas de Lautrec.

Abaixo, cartaz anunciando um ponto de vendas

da Bearings Magazine, voltada para ciclistas e

apreciadores de bicicletas, criado em 1896

por Charles Arthur Cox. Também abaixo, o marco

inaugural do estilo Art Nouveau no Brasil, na capa

da Revue du Brésil, criada em novembro de 1896

por Eliseu Visconti durante sua temporada

de estudos em Paris

Pioneiros do estilo

Art Nouveau também passou a ser o estilo adotado por nomes célebres da história da arte, cada um interpretando à sua maneira as novas técnicas decorativas, tais como o austríaco Gustav Klimt, o checo Alfons Mucha ou o espanhol Antoni Gaudí, entre outros. Verhagen destaca que, nas artes gráficas, o salto de qualidade na produção do cartaz teve um pioneiro que influenciou todos os outros e todo o estilo – o francês Jules Chéret, nomeado em 1890 pelo escritor Edmond de Goncourt como “o inventor da arte do cartaz”. Uma celebridade em sua época, Chéret passou a exercer forte influência sobre artistas como Toulouse-Lautrec e outros nomes do primeiro time das vanguardas europeias. Segundo Verhagen, o nome Chéret, na Paris de fim de século, passou a ser sinônimo para o cartaz mais elaborado, e a popularidade também alcançou a “chérette”, a dançarina estilizada com ares de ninfa sempre presente em seus desenhos e cartazes. Em um dos mais conhecidos, criado em 1889, a “chérette” em trajes e poses provocantes anunciava a inauguração do Moulin Rouge, a casa de espetáculos licensiosa que marcou época em Paris.

O pioneiro do estilo Art Nouveau no Brasil, Eliseu Visconti, também reconheceu a influência de Chéret durante sua temporada de estudos em Paris, entre 1894 e 1897. Historiadores como Frederico Morais (em “Aspectos da Arte Brasileira”, editado em 1980 pela Funarte) apontam a importância de Visconti não só como pintor e desenhista, mas também como pioneiro do design industrial e da arte do cartaz. Um dos trabalhos de importância histórica de Visconti, a capa do primeiro número da “Revue du Brésil”, editada em Paris em novembro de 1896, é considerado um marco que introduz o estilo Art Nouveau no Brasil. Em “Biblioteca Nacional – A história de uma coleção” (Editora Salamandra, 1996), Paulo Herkenhoff também destaca Visconti como precursor da arte modernista e como pai do desenho industrial brasileiro – com seus padrões para papéis de parede e objetos utilitários, além da criação de capas e ilustrações de livros e revistas, de selos, da decoração do Teatro Municipal de Rio de Janeiro e da Biblioteca Nacional, e de seus cartazes, os primeiros a terem valor artístico reconhecido no Brasil.

Arte do cartaz em 1900: no alto, cartaz criado por

Louis John Rhead em 1894 para anunciar a edição

de Natal da Century Magazine. Acima, o beijo estilizado

da figura andrógina no encontro com o pavão, emoldurados

por ícones de iluminuras de antigos manuscritos, no cartaz

criado pelo artista e ilustrador William Henry Bradley

para o lançamento de His Book, revista literária de

Nova York que teve apenas seis números entre 1896 e 1897.

Abaixo, dois cartazes criados por mulheres: o primeiro,

de Florence Lundbourg para o lançamento da revista

The Lark, edição de fevereiro de 1897; o segundo,

criação de Ethel Reed em 1895 para o lançamento do

livro Folly or Saintiliness, do escritor José Echegaray,

Prêmio Nobel de Literatura em 1904

A novidade do cartaz literário

A exposição que resgata o “boom” do cartaz em Art Nouveau, apresentada no Metropolitan de Nova York, tem curadoria e apresentação a cargo de quatro especialistas, que também assinam a edição do catálogo e os ensaios teóricos e historiográficos: Alisson Rudnick, Shannon Vittoria e Rachel Mustalish, diretoras dos departamentos de Papeis, Desenhos e Gravuras do museu, e Jennifer Greenhil, professora de História da Arte na Universidade de Arkansas. Diante do acervo selecionado, o que mais ganha destaque para o olhar do observador do século 21 é certamente o contraste entre a sofisticação estética e a aparente simplicidade das figuras, além do apuro estético na integração de texto e imagens para a composição dos cartazes – cada um deles surgindo mais próximos de uma obra de arte do que de um anúncio publicitário.

Arte do cartaz em 1900: no alto, página standart

(o formato padrão da página de jornal impresso, com

cerca de 55 cm) criada por E. Pickert, simulando o efeito

de pastilhas de acrílico, para a edição de 6 de fevereiro de

1895 do jornal The New York Times. Acima, o cartaz de

Bertha Margaret Boyé vencedor do concurso do

Movimento Sufragista para uma campanha pela

legalização do voto feminino em 1911.

Abaixo, cartaz de Joseph J. Gould Jr. para o

lançamento da edição de julho de 1896 da

revista Lippincott’s; e a nudez no cartaz criado

por Maxfield Parrish para o lançamento da

edição de agosto de 1897 da revista The Century

Mesmo sendo, em sua época, peças apenas funcionais para divulgação e publicidade, cada um dos cartazes em estilo Art Nouveau pode ser considerado uma obra de valor específico, com detalhes que revelam tanto questões culturais do tempo em que foram produzidos, como avanços nas técnicas das artes gráficas ou da linguagem que representa e traduz informações cifradas sobre códigos de comportamento. O cartaz criado por Edward Penfield que anuncia a edição de fevereiro de 1897 da revista Harper's, escolhido para anúncio principal da exposição no Metropolitan e também reproduzido na capa do catálogo, representa um caso emblemático para o recorte do acervo.

No cartaz de Penfield, quatro figuras elegantes da burguesia, três mulheres e um homem, todos eles com seus chapéus da moda, viajam de bonde e estão lendo a revista. Ao fundo, ao lado dos quatro personagens das elites, um representante da classe trabalhadora: o cobrador do bonde, que também está mergulhado na leitura. Penfield criou cartazes sempre instigantes para cada nova edição da Harper's durante mais de sete anos. Em outro anúncio, criado em 1996 por Joseph J. Gould Jr. para a edição de julho da revista Lippincott's, estão ousadias gráficas e de costumes: a jovem elegante, vestida a rigor, está em sua bicicleta e tem a revista nas mãos. Como inovação gráfica, o chapéu amarelo da jovem cobre algumas letras do nome da revista, mas sem impedir a leitura.

Arte do cartaz em 1900: no alto, cartaz anunciando

o lançamento da edição de março de 1895 de

The Boston Sunday Herald, dedicada à moda de

primavera, com sobreposições de vermelho e preto,

criação de William McGregor Paxton. Acima, cartaz

de William Henry Bradley para o lançamento em 1894

do livro When hearts are trumps, de Tom Hall.

Abaixo, cartaz de George Reiter Brill para o

Philadelphia Sunday Press, edição de 3 de fevereiro

de 1896. Também abaixo, cartaz de Louis John Rhead

anunciando a edição de Natal do The New York Herald,

em 1896, com o toque pioneiro de um

Papai Noel em vermelho.

No final da página, cartaz para o lançamento

da revista Self Culture de outubro de 1897, criação

de Joseph Christian Leyendecker; e um autorretrato

estilizado de Edward Penfield para a capa do

calendário de 1897 publicado pela

editora R.H. Russel & Son, de Nova York

Arte e documento histórico

Há uma grande diversidade de nomes identificados como criadores dos cartazes, no acervo reunido pelo museu, com destaque em número de obras para os norte-americanos Edward Penfield, Joseph Christian Leyendecker, Louis John Rhead e William Henry Bradley, além da surpreendente presença de mulheres no grupo de artistas, entre elas Florence Lundborg, Ethel Reed e Bertha Margaret Boyé, que era uma professora e militante política muito conhecida na época, e que venceu em 1911 o primeiro concurso de cartazes para o Movimento Sufragista de San Francisco, Califórnia, em defesa da legalização do direito do voto para mulheres. No cartaz, que faz parte do acervo, uma figura feminina com uma túnica amarela, lembrando o arquétipo de uma sacerdotisa, abre os braços para mostrar uma faixa onde se lê “Votes for Women” (Voto para mulheres). Atrás dela, o sol que está na linha do horizonte forma uma auréola sobre sua cabeça, como se indicasse simultaneamente um símbolo de beatitude e santidade e o alvorecer de novas oportunidades.

Mais de um século depois da criação da maioria das peças reunidas no acervo, ainda é possível identificar e reconhecer o impacto duradouro que os cartazes em estilo Art Nouveau continuam a exercer sobre as linguagens da ilustração, sobre o design gráfico e até sobre a forma e o conteúdo dos anúncios publicitários da atualidade. O acervo também confirma a importância do cartaz como documento histórico – um documento que registra e preserva informações preciosas, ocupando um lugar especial na interseção entre literatura, imprensa, design gráfico, sociologia, questões políticas, culturais e comportamentais da época em que foram produzidos. No ensaio que abre a apresentação das imagens do catálogo, a curadora Alisson Rudnick ressalta que, em cada um dos cartazes selecionados, está representado algo novo: são anúncios publicitários produzidos para terem duração efêmera, mas, estranhamente, mudaram de função com o passar do tempo e agora têm seu valor preservado e reconhecido como autênticas obras de arte.

por José Antônio Orlando.

Como citar:

ORLANDO, José Antônio. A invasão do Gibi. In: Blog Semióticas, 25 de junho de 2024. Disponível em: https://semioticas1.blogspot.com/2024/06/arte-do-cartaz-em-1900.html (acessado em .../.../…).

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