Pandora

Conta a mitologia que os presentes saltaram

de forma tão violenta da caixa que Pandora

teve medo e a fechou antes que o último deles

escapasse: a esperança. Desde então sabemos

que nenhuma fábula tornada famosa pelos

gregos pode ser negligenciada.

––  Hipólito de Roma em “Philosophumena”.  

 

 

O filósofo alemão Walter Benjamin (1892-1940), teórico da política, da história e da recepção da obra de arte, foi um dos pioneiros a ressaltar a importância da fotografia e do cinema na formação de uma nova sensibilidade na civilização contemporânea. No celebrado ensaio “A obra de arte na época de sua reprodutibilidade técnica”, uma de suas obras-primas, Benjamin interpreta este período histórico com alegorias como a destruição da aura dos objetos únicos: a arte ganha outros sentidos diante da circulação incessante de imagens e da novidade dos objetos produzidos em série.

Nesta nova era que destaca Benjamin, e que fizeram dele, depois de sua morte trágica, um dos intelectuais mais influentes do último século, as populações urbanas se transformam em grandes massas e rápido incorporam um fetiche consumista. Neste cenário, a mercadoria almejada é um simulacro. Pior: este simulacro de mercadoria é capaz de construir para si uma outra espécie de aura, profana, em contraposição ao antigo valor de eternidade da obra de arte e das imagens sagradas de devoção religiosa. 

A nova era, também chamada modernidade, com tudo o que ela representa de consumo de imagens e fetichismo da mercadoria, de substituição permanente do real por simulacros, passaria por situação hegemônica daí por diante. Mas ao custo de um embotamento cada vez maior dos sentidos e da sensibilidade, comandados por um novo e avassalador acento à cultura visual.

Um “instantâneo” deste período complexo e privilegiado do convívio do gênio humano com câmeras, fotografias e filmes, que há 150 anos tinha início para mudar em definitivo as formas de organização do olhar e os rumos da civilização, fornece o pano de fundo para os 13 ensaios e inúmeras imagens, desenhos, pinturas, gravuras, cartazes, cartuns, cartões postais, fotogramas e ilustrações diversas reunidas em “O Cinema e a Invenção da Vida Moderna” (Cosac Naify). 

Na concepção dos norte-americanos Leo Charney e Vanessa Schwartz, organizadores do livro e autores de dois dos ensaios, cinema é o termo genérico para todo o aparato tecnológico de registro e reprodução de imagens que tomou de assalto a civilização e criou uma gigantesca indústria do entretenimento. O cenário em questão é a “belle époque” romântica de Paris, Londres, Berlim, além das grandes cidades da América do Norte e, por extensão, seus reflexos ideológicos espalhando-se pelos quatro cantos do planeta.

O primeiro cinema

O fio condutor dos autores e seus respectivos universos de pesquisa é localizar na cena social os momentos que antecedem a invenção dos códigos cinematográficos. As variáveis mais constantes nos ensaios são as relações entre a fotografia e o primeiro cinema, em interface com as artes gráficas e visuais, a poesia e a literatura fragmentária e urbana dos folhetins, a arquitetura e as soluções urbanísticas, a economia, os utensílios da vida cotidiana, placas, luminosos e cartazes com arautos de ousadas estratégias de comunicação social, os museus de cera, as vitrines das lojas, os novos nexos da publicidade e os catálogos de vendas, folhetos postais ilustrados e anúncios na imprensa que proliferaram nas décadas e séculos seguintes.

A lista dos pioneiros nas técnicas da fotografia e do cinema é extensa, como apontam os ensaios reunidos por Charney e Schwartz. E o curioso é que na história da fotografia e do cinema as datas coincidem desde os primórdios. Enquanto avançava a técnica dos primeiros registros fotográficos, muitos artistas e cientistas investiam em aparelhos que fizessem uma imagem criar a ilusão do movimento – caso de Joseph Plateau, cientista belga que em 1832 criou o “fenacistoscópio”, um equipamento que produzia a ilusão do movimento em desenhos.

Nas décadas seguintes, inventores da França, Inglaterra e Estados Unidos avançaram nos experimentos de fazer e projetar filmes. Vários destes pioneiros são lembrados nos ensaios do livro, em especial os norte-americanos: Thomas Edison, que em 1887 começou a trabalhar em um aparelho para fazer com que as fotografias parecessem ganhar movimento; Hannibal Goodwin, que em 1889 desenvolveu um filme à base de celulóide transparente que era resistente, mas flexível; George Eastman, pioneiro na fabricação de equipamento fotográfico; William Dickson, parceiro de Thomas Edison na invenção do Kinetoscópio (ou Cinetoscópio), com um visor individual que exibia 15 metros de filme.

Em 28 de dezembro de 1895, pela primeira vez um filme foi projetado publicamente em uma tela. Esta lendária primeira projeção, realizada pelos irmãos Auguste Marie Nicholas Lumière (1862-1954) e Louis Jean Nicholas Lumière (1864-1948), aconteceu no Indian Salon do Grand Café, em Paris, com cenas simples em 10 filmes de curta duração. O primeiro filme foi "A Chegada do Trem à Estação de Ciotat", que provocou susto e grande alvoroço no público presente. A plateia acreditou que o trem estava invadindo o salão. A notícia se espalhou e o espetáculo dos Lumière foi sucesso foi imediato. Em poucos meses, todas as grandes cidades da Europa tinham filmes em exibição.

Viagem à lua

Até mesmo os irmãos Lumière reconheceram, muitos anos mais tarde, que a magia ilusionista do cinema só estaria completa com a entrada em cena de Georges Méliès (1861-1938), mágico profissional, produtor, escritor, pintor, inventor, ator e diretor de mais de 500 filmes com trucagens impressionantes, entre eles o fabuloso “Viagem à Lua”, de 1902. Méliès, que estava presente naquela primeira sessão no café em Paris, foi definido pelos irmãos Lumière como "o verdadeiro criador do espetáculo cinematográfico". 

 

Pandora: acima, Nova York em 1901,

em fotografia de autor desconhecido. No

alto, o World Trade Center, fotografado

em agosto de 2001, seguido de fotografias

da primeira sessão dos Lumière no café

em Paris, em 1895, e cartaz e fotogramas

de Viagem à Lua (1902), obra-prima do

pioneiro Georges Méliès (1861-1938).

Abaixo, o primeiro beijo do cinema, no

filme que Thomas Edison (1847-1931)

produziu em 1896 através do sistema

Kinetoscópio. Edison convidou o casal

May Irwin e John Rice, que fazia sucesso

em Nova York com a peça A Viúva Jones

(The Widow Jones), para encenar o beijo

no filme The Kiss, de apenas um minuto

de duração. Tido como primeiro grande

sucesso do cinema nos EUA, o filme

era apresentado em feiras e parques de

diversões, exibido em cabines individuais.

Também abaixo, Rudolph Valentino, primeiro

galã do cinema e primeiro símbolo sexual,

beija Agnes Ayres em "O Sheik", filme de

1921 com direção de George Melford,

um dos maiores sucesso do cinema

mudo na antiga Hollywood

A referência obrigatória para todos os autores nas abordagens sobre os pioneiros da fotografia e do cinema é, sem exceção, Walter Benjamin. Tanto os organizadores, Charney e Schwartz, quanto os autores reunidos rendem tributos às análises visionárias do mais atual dos pensadores da Escola de Frankfurt, retomando coordenadas polêmicas em que o autor de “Rua de Mão Única” trafega com desenvoltura entre ideias centrais e da maior complexidade de Karl Marx e Sigmund Freud.

Referência obrigatória, mas não exclusiva. Além de Benjamin e suas citadas intervenções na articulação de dogmas religiosos, psicanálise e teoria da ideologia, poucos pensadores têm presença marcante em mais de um ensaio. Caso do pioneiro alemão (da primeira década do século 20) Georg Simmel, da ideias pós-estruturalistas do francês Michel Foucault, da semiótica russa de Mikhail Bakhtin (sobre a promiscuidade social prazerosa do carnaval e das atrações populares) ou do também alemão Siegfried Kracauer, contemporâneo de Benjamin.

Pioneiros do cinema: no alto, os irmãos

Auguste Marie e Louis Jean Lumière.

Acima, Georges Méliès, "o verdadeiro

criador do espetáculo cinematográfico",

fotografado em Paris, em 1937. Abaixo,

D. W. Griffith, outro criador da linguagem

cinematográfica e o primeiro dos grandes

cineastas. Griffith, diretor e produtor dos

épicos Nascimento de uma Nação (1915)

e Intolerance (1916), entre outros, foi o

primeiro a filmar na localidade chamada

Hollywood, na Califórnia, com o objetivo

de aproveitar ao máximo a luz natural.

  Também abaixo, Lillian Gish (1893-1993),

primeira grande estrela do cinema  mudo em

filmes como O Nascimento de Uma Nação;

 os pioneiros que fundaram Hollywood e

a United Artists, Douglas Fairbanks,

 Mary Pickford, Charlie Chaplin e Griffith;

 e dois momentos diante da multidão de

 Chaplin, primeiro grande astro popular

 do cinema: aclamado em 1918, em

Wall Street, Nova York, em um evento

promovido para arrecadar fundos para as

tropas dos EUA durante a Primeira

Guerra Mundial; e em sua primeira visita

a sua cidade-natal, Londres, em 1921,

depois do sucesso espetacular de seus

filmes em Hollywood, aplaudido em frente

ao Ritz Hotel, onde estava hospedado

 

 

 

 

 

No ensaio de Miriam Bratu Hansen que encerra o livro, Kracauer é apresentado com ares de contemporaneidade e ousadia, seja na crítica pouco ortodoxa à cultura de massas (que o aproxima de Benjamin na mesma medida em que o afasta dos demais frankfurtianos), seja no destaque que sua abordagem teórica confere à categoria dos funcionários de escritório – grupo que Kracauer percebe em ascensão quantitativa frente às massas do operariado do passado próximo.

Imagem e imaginário

Benjamin, contudo, com seus argumentos que ainda hoje soam ousados, é quem fornece o principal arsenal teórico para os pesquisadores, todos norte-americanos, enriquecendo teses marxistas, psicanalíticas e semióticas a partir do ângulo da recepção, da leitura de funções estéticas, ideológicas e comerciais na chamada “imaginação do público”, a partir da entrada em cena da fotografia e do primeiro cinema.

Pandora: acima e abaixo, raros retratos

de Walter Benjamin em 1937, em Paris,

fotografado pela francesa de origem alemã

Gisèle Freund, enquanto pesquisava

arquivos da Bibliothèque de France.

Também abaixo, 1) Walter Benjamin

disputa uma partida de xadrez em 1934

com Bertolt Brecht na Dinamarca;

e 2) Christopher Isherwood, autor

de Adeus a Berlim (1939), que relata

em tom ficcional os primeiros tempos

do cinema falado e a ascensão do

nazismo na Alemanha da década de 1930,

que tem o célebre trecho de abertura:

"Eu sou uma câmera com o obturador

aberto, bastante passivo, gravando,

sem pensar". O livro de Isherwood

gerou uma peça de teatro de 1951,

Eu sou uma câmera, transformada

em filme em 1955, e também um

musical de sucesso na Broadway

em 1966, Cabaret, argumento para o

filme dirigido em 1972 por Bob Fosse,

com Liza Minnelli no papel da

cantora Sally Bowles

 

 

 

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Nos 13 ensaios reunidos, os resultados de pesquisas aparentemente exaustivas surgem em argumentos que surpreendem, apontando para a novidade do valor sensorial deste inusitado e cada vez mais intensivo tráfego de imagens na experiência humana, no que ela representa de estranhamento desde as invenções da fotografia e do cinema. Jonathan Crary, no segundo ensaio, destaca esse estranhamento como característica tipicamente moderna ao analisar uma pintura muito conhecida – “A Estufa” (1873), de Édouard Manet – na perspectiva da precariedade e instabilidade da atenção nos novos tempos.

Ao abordar temas aparentemente díspares como personagens e citações de obras da literatura, quadros de Manet e outros mestres da arte moderna, os cartazes publicitários ou a afluência aos museus de cera e ao necrotério de Paris, os artigos e imagens reunidos em “O Cinema e a Invenção da Vida Moderna” defendem a premissa: a cultura moderna foi cinematográfica antes mesmo da popularização do cinema. Mesmo para o leitor que não conheça as teorias do cinema ou o leque de estudos filosóficos que aparecem nas referências e nas citações, é um livro singular na caracterização do momento formador de uma nova experiência estética e do tipo de sociedade que lhe deu ensejo.

Imagens em visões da realidade: acima,

A estufa, pintura em óleo sobre tela de 1873,

uma das obras-primas do mestre impressionista

francês Édouard Manet, um dos revolucionários

da arte no século 19, com o alheamento de

olhares que nunca se cruzam e personagens

distraídos a observar o vazio extra-quadro.

Abaixo, obras-primas da história da fotografia

feitas em processo de Autochrome, técnica

inventada e patenteada em 1907 pelos irmãos

Auguste e Louis Jean Lumière, também

inventores do Cinematógrafo: na primeira,

fotografia feita em 1913 pelo engenheiro inglês

Mervyn O’Gorman registra sua filha Cristina

em uma praia da Inglaterra; na segunda, uma

vendedora de flores nas ruas de Paris em

fotografia de 1914 feita pelo banqueiro francês

Albert Kahn. O Autochrome era um processo

extremamente caro e produzia imagens frágeis

em chapa de vidro, exigindo um longo tempo

de exposição para o registro fotográfico.

Mervyn O’Gorman e Albert Kahn, milionários

e fotógrafos amadores, foram entusiastas das

novidades técnicas inventadas pelos Lumière

Ensaios e imagens compõem um papel original da virada do século 19 para o século 20, tomando a experiência do cinema como paradigma, ponto de condensação das novas formas de organização do olhar correlatas às transformações que definiram o que denominamos modernidade. Ao lado da fotografia e outras técnicas, a emergência da nova arte surge em suas mais diversas conexões com as práticas sociais, com destaque para o cotidiano das cidades, a expansão do consumismo, os catálogos de venda, as exposições, o jornalismo, a publicidade. 

Sujeito atento instável

 

Em meio à turbulência do tráfego, ao barulho, às vitrines, aos anúncios, gerava-se uma nova intensidade de estímulos. É o que as cenas impressionistas de Manet e outros mestres inauguram: o observador clássico dava lugar ao "sujeito atento instável", competente tanto para se apresentar como consumidor quanto como agente na síntese diversificada de "efeitos de realidade". Nas imagens do impressionismo – não por acaso o movimento inaugural do que viria a ser identificado nas décadas e no século seguinte como “modernismo” – há sempre os olhares que nunca se cruzam e que não raro observam o vazio extra-quadro, figurados em momentos de absorção mental e alheamento em meio a cenas familiares.

Um rosto na multidão: fotograma extraído de

um dos filmes curtos dos irmãos Lumière é a

ilustração da capa na edição nacional do livro de

Charney e Schwartz. Abaixo, cartaz original

criado em 1927 por Boris Bilinsky para o filme

Metropolis, de Fritz Lang. Também abaixo, os

primórdios longínquos da Civilização e o corte

cinematográfico de mais de quatro milhões de

anos na sequência inicial do clássico da ficção

científica 2001, Uma Odisseia no Espaço,

filme de 1968 de Stanley Kubrick com roteiro

baseado no conto de Arthur C. Clarke,

"Sentinel of Eternity", publicado

pela primeira vez em 1951

 

As interpretações trazem à tona raciocínios marcadamente pessimistas, mas esta não é tônica da maioria dos autores, ainda que as metáforas da guerra, da destruição e da barbárie persistam em muitos argumentos. "Nós praticamente só percebemos o passado", professa Henri Bergson, citado em uma das epígrafes. "O presente puro nada mais é do que um certo avanço invisível do passado, que também vai consumindo o futuro".

O tráfego cada vez mais intenso de imagens, ou o consumo por imagens, remete o estranhamento provocado desde o século 19 pelas primeiras fotografias e pelo primeiro cinema à milenar sabedoria chinesa – uma imagem vale mais que mil palavras. Mas também revela o paradoxo de uma terrível e instável universalidade, aquela de imagens que dizem por si só e permanecem vivas no imaginário coletivo, repetidas à exaustão em todas as mídias: vide as lendárias imagens dos astronautas Neil Armstrong e Edwin Aldrin, os primeiros a pisar na Lua, ou o espetacular atentado terrorista nos Estados Unidos há 10 anos, em 11 de setembro de 2001, e sua recepção maciça e submissa por uma audiência on-line de bilhões de pessoas espalhadas pelos cinco continentes.

por José Antônio Orlando.


Como citar:

ORLANDO, José Antônio. Pandora. In: Blog Semióticas, 10 de setembro de 2011. Disponível no link http://semioticas1.blogspot.com/2011/09/pandora.html (acessado em .../.../...).

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 Acima, o astronauta Edwin Aldrin, segundo

homem a pisar na Lua, fotografado em 20 de

julho de 1969 por Neil Armstrong, seu colega na

missão Apollo 11, da Nasa. Abaixo, a performer,

cantora, compositora, cineasta e artista multimídia

Laurie Anderson fotografada em Manhattan,

Nova York, em agosto de 2001, tendo ao fundo

as torres gêmeas do World Trade Center.

Também abaixo, anônimos na esquina de Park Row

com Beekman Street observam o ataque dos aviões e

a destruição das torres, em 11 de setembro de 2001,

em fotografia de Patrick Witty; o segundo avião,

momentos antes de atingir a segunda torre, em

fotografia de Masatomo Kuriya; e uma fotografia

poética de Louis Stettner em Nova York, 1979,

intitulada Twin Towers, World Trade Center on

a foggy day with seagull (Torres Gêmeas, World

Trade Center em um dia de neblina com gaivota)