O pintor Jack Kerouac

E foi exatamente assim que toda minha experiência na   

estrada de fato começou, e as coisas que estavam por   

vir são fantásticas demais para não serem contadas.   

––  Jack Kerouac, “On the Road”.      

O principal avatar da geração “beat”, que desafiou as convenções morais e sociais mais conservadoras do “american way of life” com um coquetel de álcool, sexo livre, jazz e alucinógenos para uma alternativa menos materialista e mais espiritualizada de enfrentar a vida, volta ao destaque mais de 50 anos depois de sua morte –– não apenas pela literatura que o consagrou, mas também por um de seus talentos incomuns que poucos conheceram quando ele estava vivo: Jack Kerouac, autor de pinturas, desenhos e ilustrações em técnica mista. Uma seleção com 80 de suas obras originais, em vários formatos e materiais, na maioria inéditas, foi reunida para uma exposição apresentada pela primeira vez em um prestigiado espaço de artes plásticas na Itália, o MAGA Museo Arte Gallarate na Lombardia, próximo a Milão, região onde o escritor viveu por um período em meados dos anos 1960, e agora surge publicada no catálogo “Kerouac: Beat Painting”, lançamento da casa editorial Skira com textos e organização pelos curadores do museu italiano Sandrina Bandera, Alessandro Catiglioni e Emma Zanella.

Basta alguma observação atenta sobre as imagens produzidas pelo Kerouac pintor para perceber que ele transportou para as artes plásticas muito da composição sofisticada, experimental, surpreendente, sedutora, que ele imprimiu à criação literária nos romances em prosa poética, contos, novelas, diários, relatos confessionais, correspondências, poemas e haikais. A força da arte de Kerouac, para além de sua literatura, já encontrou transposições para o cinema, para a música, para as artes cênicas e para histórias em quadrinhos, mas seu caráter de composição visual feita pelo próprio autor é a última faceta a chegar ao público. Descrito por biógrafos como um de seus principais interesses e talentos, o acervo completo de artes plásticas que Kerouac produziu, e que por diversos motivos não divulgou, ficaria restrito a seus herdeiros indiretos e permaneceu inédito até recentemente nos Estados Unidos na sua cidade natal, Lowell, em Massachusetts.

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O pintor Jack Kerouac: no alto, em Nova York,

1958, fotografado por Jerome Yulsman. Acima,

em foto do documento de identidade em 1943 e

fotografado no estúdio de Tom Palumbo em 1956.

Abaixo, a capa do catálogo Kerouac: Beat Painting

Antes da exposição mais abrangente apresentada no museu italiano e agora com a maior parte do acervo editado em catálogo pela Skira, as pinturas e desenhos de Kerouac apareceram de forma pontual em fragmentos e amostras que ilustram algumas de suas obras literárias e também como parte integrante em três grandes mostras retrospectivas sobre a arte e a literatura da “beat generation” apresentadas na última década nos Estados Unidos (pelo Whitney Museum em Nova York), na França (pelo Centro Pompidou em Paris) e na Alemanha (pelo Centro de Arte e Mídia ZKM em Karlsruhe). No Brasil também houve uma mostra abrangente sobre a “beat generation” no Centro Cultural Banco do Brasil (em 2016 em Brasília e em 2017 em São Paulo e Rio de Janeiro), mas restrita a fotografias e a uma extensa programação de cinebiografias, documentários, adaptações para cinema de obras do movimento “beat” ou filmes em que os autores atuaram em suas diversas performances multiculturais.

Aura questionadora e libertária

A coleção de pinturas, desenhos e esboços deixados por Kerouac veio à tona depois da morte de seu último cunhado e amigo de infância na cidade de Lowell, John Stampas, aos 84 anos, em 2017. A irmã de John, Stella Stampas, também amiga de infância de Kerouac em sua cidade natal, se tornaria a terceira esposa do escritor quando ele retornou em 1966 da última temporada na Europa. O casamento durou poucos meses, assim como outros dois casamentos anteriores de Kerouac, e depois da morte do autor, aos 47 anos, em 1969, Stella ficou com as caixas de arquivos de papéis, rascunhos, fotografias, diários, correspondências e textos inéditos, além das pinturas e desenhos. Com a morte recente de Stella e de John, seus herdeiros negociaram a concessão de direitos para a primeira exposição no museu italiano e para a publicação do acervo no catálogo da casa editorial Skira.

O pintor Jack Kerouac: acima, pintura em

óleo sobre tela do final da década de 1950,

sem título, identificada como Woman with guitar.

Abaixo, pintura sem título do mesmo período e
um dos mapas em desenho a caneta feito no diário
de Kerouac para traçar, cidade por cidade, o trajeto
de uma viagem que ele fez de carona de julho a
outubro de 1948 e que, uma década depois, surgiria
como modelo para a jornada de aventuras de
Sal Paradise e Dean Moriarty, a dupla lendária
de protagonistas do romance On the Road

               

O catálogo inclui também, além de pinturas em óleo sobre tela e aquarelas, alguns desenhos feitos por Kerouac nos rascunhos e originais de seus textos, entre eles a ilustração feita a lápis e caneta de um autorretrato diante de uma estrada infinita que ele projetou para capa do romance “On the Road”, sua obra mais célebre, traduzido no Brasil como “Pé na Estrada” e adaptado para o cinema em 2011 por Walter Salles com roteiro do porto-riquenho José Rivera, mesmo roteirista da adaptação de Salles para os diários do jovem Che Guevara em “Diários de Motocicleta”, filme de 2004. Consagrado como “Bíblia dos Hippies” e transformado em leitura lendária e obrigatória de gerações e gerações desde sua primeira edição em 1957, “On the Road” saiu editado sem a capa planejada pelo autor, mas foi um sucesso estrondoso desde que chegou às livrarias em lançamento da pequena Viking Press. Até mesmo as críticas negativas, que classificavam o livro como “imoral”, foram um ingrediente a mais como publicidade espontânea para expandir sua aura mítica de obra questionadora e libertária.

A publicação veio depois de sete anos de tentativas frustradas de apresentação em editoras, período em que o autor viajava com o original datilografado guardado na mochila. O original também é lendário pela gênese de ter sido escrito na forma de “escrita automática”, à maneira dos surrealistas franceses e do estilo be-bop dos músicos de jazz, na base do improviso criativo, sem parar para pensar ou reformular frases, totalmente datilografado em apenas três semanas em um rolo quilométrico de texto colado página a página com fita adesiva. Assim como seus textos fragmentados em diversas formas narrativas, a composição visual de Kerouac em pinturas e cores inclui referências a retratos distorcidos de pessoas que ele conhecia ou admirava, seus colegas escritores e músicos ainda anônimos, e também famosos como a atriz Joan Crawford ou o escritor Truman Capote. Há também muitas imagens de figuras nuas, eróticas, formas abstratas, paisagens incertas, crucifixos e outros signos relacionados ao sagrado do catolicismo em que ele foi criado e às crenças e ensinamentos identificados por sua aproximação com o budismo.

O pintor Jack Kerouac: acima, pintura em

óleo sobre tela sem data identificada como

Woman (Joan Rawshanks) in blue with black hat.

Abaixo, Truman Capote, pintura de 1959, e uma
pintura em óleo sobre tela também de 1959 que
retrata o cardeal Giovanni Montini vestido
como papa, quatro anos antes do cardeal se tornar
o Papa Paulo VI. Também abaixo, três pinturas em
óleo sobre tela sem data e sem título, a primeira
identificada como Sunset scene; e Kerouac
caminhando no Central Park, Nova York,

fotografado em 1959 por Robert Frank

Expressionismo abstrato

Uma das referências ao sagrado chama atenção do observador: uma pintura em cores expressionistas e sombrias da época da publicação de “On the Road” traça um retrato do cardeal italiano Giovanni Montini, que anos depois, em 1963, se tornaria o papa Paulo VI. Kerouac, que nunca o conheceu, viu a imagem do cardeal em trajes de papa durante ou depois de uma alucinação com mescalina ou LSD, e segundo informa no texto de apresentação Sandrina Bandera, ele teve como modelo para a pintura a óleo tão somente uma fotografia publicada pela revista “Time”. Entre outras revelações ou possibilidades, o leitor que conhece a literatura de Kerouac também vai perceber, nas imagens, algumas cenas que sugerem identificação com suas tramas e seus personagens –– caso da pintura nomeada como “Mulher de azul com chapéu preto”, uma figura andrógina, ambígua, fumando um cigarro, que traz à memória de imediato Joan Rawshanks, de seu romance de publicação póstuma “Visões de Cody”, que tem aquele célebre aviso do narrador ao leitor: “Estou escrevendo este livro porque vamos todos morrer...”

Escrito entre 1951 e 1952 e considerado pelo autor sua obra-prima, “Visões de Cody” seguiria inacabado, com apenas uma edição de fragmentos em pequena tiragem de 750 exemplares feita em 1960 pela New Directions, editora “beat” de Nova York. Como parte do espólio de Kerouac, só foi publicado na íntegra em 1973, revelando sua dimensão como estudo em tom autobiográfico sobre o herói de “On the Road”, Dean Moriarty, que neste livro é chamado de Cody Pomeray. Joan Rawshanks, que tem uma seção inteira em destaque no livro, teve inspiração, segundo Kerouac, na lembrança de uma noite quente e sufocante de 1952 em San Francisco em que ele assistiu, por acaso, a estrela Joan Crawford, a “vamp”, “femme fatale” de Hollywood, filmando nas ruas as cenas de um thriller criminal e “noir’ que se tornaria, para surpresa geral, um retumbante fracasso de público e de crítica, “This woman is dangerous” (Essa mulher é perigosa).

“Seria equivocado ler essas obras de arte usando o método tradicional de um crítico de arte”, escreve Sandrina Bandera, destacando a coragem do trabalho do escritor que mesmo com o sucesso avassalador alcançando com “On the Road” ousou enveredar por outras searas como a música jazzística, os pinceis, as telas, as formas abstratas e as paletas de cores. “Porque Kerouac não era totalmente um artista plástico e nem somente um escritor. É preciso antes considerar que ele foi e continua sendo um fenômeno pop-cultural importante e que estas pinturas e desenhos agora são uma parte essencial daquela entidade potente reconhecida como Jack Kerouac. São como os membros de um único corpo girando em seu próprio eixo, tão dinâmicos que precisam de uma abundância de ferramentas diferentes para se expressar”.

Uma jornada poética

Enquanto relata as fontes de pesquisa para o trabalho de curadoria da primeira exposição no museu italiano e para a edição do catálogo, que incluiu, além do acervo dos herdeiros de Kerouac, obras cedidas por colecionadores como os irmãos Arminio e Paolo Ciolli, Sandrina Bandera revela as relações que alguns biógrafos estabelecem entre a dedicação do autor às artes plásticas e as mais diversas referências encontradas nas obras de literatura que ele produziu. Estudo e também inspiração, suas experiências sucessivas e simultâneas com uma ou outra forma de expressão são tentativas permanentes de testar seus limites, destaca a curadora, assim como têm significados muito especiais ao apontar suas relações com autores que influenciaram muito sua obra e com certos mestres da história da arte europeia, todos com um lugar decisivo no percurso de sua formação. 

O pintor Jack Kerouac: acima, pintura de

1960 em óleo sobre tela intitulada The slouch hat

(Chapéu descuidado) e The silly eye (portrait

of William Burroughs), pintura de 1959.

Abaixo, desenho a lápis e caneta sem data e sem

título identificado como retrato de Dody Muller.

Também abaixo, desenho a lápis sobre papel e

aquarela sobre papel, ambos sem título e sem data

Desta formação plural e dispersa também fazem parte: o círculo “beat” de amigos que o escritor conquistou nas temporadas de aventuras e viagens permanentes de costa a costa, de Nova York a San Francisco (a mais conhecida delas com seu maior parceiro, Neal Cassady, uma amizade que surgiu nos tempos de estudante na Universidade de Columbia e foi o ponto de partida que gerou “On the Road”), as primeiras viagens internacionais engajado na Marinha, as paixões sucessivas tão intensas como passageiras, as surpresas com as descobertas das invenções dos surrealistas, a dedicação tardia à cultura italiana, a aproximação afetiva e criativa com o fotógrafo e cineasta Robert Frank e, em maior ou menor grau de intimidade, com os mais destacados expoentes do expressionismo abstrato de Nova York, incluindo entre outros mentores Jackson Pollock, Willem de Kooning, Larry Rivers, Franz Kline, Ashile Gorky, Clyfford Still e, principalmente, Dody Muller, que permaneceu sua amante durante anos.

Para quem conhece o universo literário de Kerouac (“um índio, norte-americano e bretão”, como definiu certa vez seu parceiro Allen Ginsberg) e de seus conterrâneos e contemporâneos da geração “beat”, as cenas e sugestões de suas pinturas e desenhos parecem mesmo completar, com confidências nas ilustrações, seus textos de poesia e prosa poética, pois as imagens estão em cruzamento constante com seus escritos. É assim, também, a conclusão de Sandrina Bandera, que escreve –– “as pinturas em seu conjunto reconstroem uma narrativa na qual as obras escritas e as incursões na arte figurativa coincidiram perfeitamente em diferentes aspectos para construir a mesma jornada poética”. A literatura de Kerouac, que alcançou destaque e importância universal na segunda metade do século 20, e suas imagens agora encadeadas, no fim das contas revelam e confirmam que tanto a escrita, como a composição de formas em cores, são apenas duas maneiras complementares e simultâneas de expressar e experimentar as complexidades infinitas da linguagem.

por José Antônio Orlando.

Como citar:

ORLANDO, José Antônio. O pintor Jack Kerouac. In: ______. Blog Semióticas, 5 de fevereiro de 2019. Disponível no link http://semioticas1.blogspot.com/2019/02/o-pintor-jack-kerouac.html (acessado em .../.../...).

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Performance com Marina Abramovic

O seu papel como artista, Marina Abramovic

acredita com uma segurança que pode parecer

ingênua e uma humildade que desarma qualquer

impulso para nos irritarmos, é levar o seu público

através de uma passagem ansiosa para um lugar de

libertação do que quer que os estava a limitar.

Em todas as culturas antigas há rituais para

mortificar o corpo como forma de compreender

que a energia da alma é indestrutível.

(Judith Thurman)    

  

Poucos artistas contemporâneos levaram a experiência com a arte a extremos tão aflitivos como Marina Abramovic. Com ela, os trabalhos e apelos do fazer artístico são imprevistos, intensos, incômodos –– são questionamentos sempre polêmicos e quase sempre violentos que exploram a relação entre performer e público, que expõem os limites do corpo, as possibilidades da mente, e desafiam o perigo. Uma retrospectiva do seu extenso acervo construído em cinco décadas de atuação e de provocação permanente está agora em cartaz em Florença, na Itália. “Marina Abramovic, The Cleaner”, exposição aberta ao público no tradicional Palazzo Strozzi de setembro de 2018 a 20 de janeiro de 2019, que depois seguirá um roteiro itinerante por outros países, apresenta e reapresenta as experiências radicais da artista que revolucionou a arte performática, colocando seu corpo à prova, como sujeito e como objeto, para sondar seus limites externos e seu potencial de expressão.

Com links para transmissão on-line de um cronograma de eventos, dando continuidade às atividades transmitidas pela internet (como as exposições recentes no mesmo espaço de nomes também célebres e controversos da arte contemporânea como o chinês Ai Weiwei e o norte-americano Bill Viola), a retrospectiva que o Palazzo Strozzi dedica a Marina Abramovic reúne um calendário de atividades incomuns para um museu de arte que inclui performances em multimídia e re-performances ao vivo, com atores selecionados e treinados pela artista, para mais de 100 trabalhos de sua trajetória, oferecendo ao visitante uma visão geral de suas obras mais instigantes desde os anos 1960 até experiências recentes. Nas salas do Palazzo Strozzi o visitante pode encontrar a presença da própria artista, ao vivo, e as re-performances com atores em ambientes sedutores que incluem telões para exibição de filmes, vídeos, fotografias, pinturas e objetos em diversas instalações que provocam e comovem. Além de atividades dirigidas para crianças, escolas, famílias, estudantes de arte ou universitários, o calendário anuncia os eventos com a própria artista em conferências e performances (veja os links para a exposição e cronogramas do Palazzo Strozzi no final deste artigo).

Performance com Marina Abramovic: no alto,

Anima Mundi, trabalho da artista em 1983 em

parceria com o performer Frank Uwe Laysiepen,

mais conhecido como Ulay, na recriação da cena

bíblica em que Maria recebe nos braços o corpo de

Cristo após a Crucificação. Acima, a artista em uma

das performances que integram a série de oficinas

nomeadas como Limpando a casa, de onde saiu

o nome da exposição atual em Florença, The cleaner

(ou “Il pulitore”, em italino). Abaixo, Marina e Ulay

na performance AAA AAA em 1978, em Amsterdã,

exibida em filme na exposição do Palazzo Strozzi 

Arte em relação com o corpo

A artista  que se autodefine como “cidadã do mundo” e como “avó da arte da performance” nasceu em Belgrado, antiga Iugoslávia, hoje capital da Sérvia, em 1946, ao final da Segunda Guerra Mundial. Filha de dirigentes do Partido Comunista, Marina Abramovic estudou na Academia de Belas-Artes em Belgrado e em Zagreb, onde teve dedicação a cursos de artes plásticas e artes cênicas. No final dos anos 1960, ainda morando em seu país de origem, deu início a séries de performances que provocaram escândalo e chamaram atenção para seu nome –– entre elas apostas em limites da relação com o corpo e com o público nomeadas “Brincadeiras com facas” (Rhythm 10), “Deitar no meio de uma estrela de fogo” (Rhythm 5), “Ficar sob efeito de drogas controladas” (Rhythm 2) e “Estar semi-nua à disposição dos espectadores” (Rhythm 0), esta última retomada e atualizada em 2010 no MoMA, Museu de Arte Moderna de Nova York, quando ela esteve presente durante os três meses da exposição: extensas filas se formaram com os interessados em ficar um minuto em silêncio, sentados, imóveis, diante da artista.

Em 1976, Marina Abramovic mudou-se para Amsterdã, Holanda, onde encontrou seu parceiro mais constante, o artista alemão Frank Uwe Laysiepen, mais conhecido como Ulay. O trabalho dos dois consistiu em testar e provocar os limites do público em intransigentes façanhas de resistência e loucura, a que os dois chamaram "trabalhos de relação", e que algumas vezes terminaram com a intervenção policial depois de denúncias dos mais conservadores sobre comportamento obsceno ou ameaças de violência. Uma destas performances, nomeada “Imponderabilia”, foi apresentada pela primeira vez na Itália, em Bolonha, 1977, na Galeria Comunale d’Arte Moderna. A aparente simplicidade da representação contrasta com altos níveis de complexidade: em um portal de passagem estreita, o casal está nu, imóvel, um corpo diante do outro, olhando-se fixamente. Quem quiser chegar do outro lado da sala para continuar a visita à exposição tem que passar entre os dois e tem que passar de lado, optando por se virar para um ou para o outro.

Performance com Marina Abramovic: acima,

Imponderabilia (à esquerda, a re-performance

em cartaz na exposição do Palazzo Strozzi; à direita,

a performance original, com Marina e Ulay em 1977,

em Bolonha, na Itália, que foi interrompida pela

polícia). Abaixo, uma das salas da exposição atual

com Luminosidade casa-espírito, apresentada ao vivo,

com atores (re-performance), na exposição em Florença;

e a performance original Rhythm 5, realizada em 1974

por Marina no Student Cultural Center, em Belgrado

O incômodo da nudez

A situação de nudez cria, naturalmente, desconforto, como em todas as performances e trabalhos que Marina Abramovic propõe, com ou sem Ulay. Mas a nudez ou o desconforto não impedem várias pessoas de avançar, largando bolsas ou casacos, e passarem roçando nos dois corpos nus. Geralmente, do outro lado há alguém que fotografa o momento. A primeira performance de “Imponderabilia” em Bolonha foi interrompida muito antes das sete horas previstas, pela polícia, chamada para pôr fim ao “comportamento indecente” dos artistas. A mesma peça pode agora ser vista no Palazzo Strozzi, em Florença, integrada na retrospectiva de Marina Abramovic, reencenada por atores nus.

Desde a abertura da exposição na Itália, entretanto, não houve, ainda, nenhuma intervenção policial e nem protesto do público tentando impedir ou proibir as performances, mas as muitas fotos e vídeos feitos pelos muitos visitantes são, neste tempo de redes sociais, completamente invisíveis no espaço público. A tentativa de publicar fotografias da nudez da artista ou dos atores das re-performances em uma conta de Facebook, por exemplo, é imediatamente impedida por mensagens automáticas da empresa de Mark Zuckerberg avisando que a imagem é proibida por apresentar nus e violar ou não respeitar as regras da comunidade. Evoluiu a tecnologia, mas a arte de Marina Abramovic permanece plena de ousadia e um tanto incômoda. E tanto agora, como antes, continua a provocar os instintos mais repressores e a intolerância da censura.

Performance com Marina Abramovic: acima,

a artista nos bastidores, durante a montagem da

exposição em 2010 no MoMA, em Nova York. Abaixo,

registros de duas das performances do início de sua

trajetória que provocaram escândalo e chamaram

atenção para seu nome: Rhytm 10 (de 1973), em que

ela crava uma faca entre os dedos, em ritmo crescente,

ferindo-se várias vezes durante o processo; e

Relação no espaço, um dos primeiros trabalhos

da parceria na vida e na arte com Ulay

Performance e vida cotidiana

O encontro da artista em 1975 com Ulay, filho de um soldado nazista, nascido no mesmo dia que ela, 30 de novembro (Marina nasceu em 1946 e Ulay em 1943), marcou definitivamente sua trajetória e abriu novas perspectivas para as experiências levadas ao limite. Depois das obras mais tradicionais em pintura figurativa e pintura com abstrações em sua juventude, e depois das primeiras experiências radicais de performances em que o seu próprio corpo era o suporte, a fase de parceria com Ulay durou exatos 12 anos e estendeu o trabalho de performance para todos os momentos da vida cotidiana, registrados em peças que marcaram época e que sobreviveram em filmes e fotografias.

Entre os trabalhos mais conhecidos da parceria entre Marina e Ulay estão “Breathing In / Breathing Out” (em que um respirava para dentro da boca do outro durante 19 minutos), “Light / Dark” (em que os dois se esbofeteavam criando um ritmo durante 20 minutos), “AAA AAA” (em que ambos gritavam desesperadamente, cara a cara, durante 15 minutos), “Relação no espaço" (os dois correm de pontos opostos, completamente nus, e passam um pelo outro, repetindo o movimento durante 58 minutos, até que no último momento colidem, correndo em alta velocidade) ou “Rest Energy” (Energia de repouso), de 1980, talvez a cena mais angustiante, entre tantas outras, na qual Marina segura um arco e Ulay segura uma flecha apontada para o coração dela, ambos em uma posição de evidente desequilíbrio, durante quatro minutos e 10 segundos. A tensão e o perigo iminente provocaram, como sempre, desconforto e reações extremas do público.

Performance com Marina Abramovic: acima,

Rest energia (Energia de repouso), da parceria com

Ulay. Abaixo, o reencontro de surpresa do casal

em 2010 no MoMA, depois de duas décadas:

Ulay sentou-se à frente de Marina e os dois

ficaram emocionados e emocionaram o público

Arte em novas fronteiras

Durante o período de 12 anos da parceria, o casal morou em uma van Citroën de cor preta na maior parte do convívio (a van também está em exposição, aberta ao público, no pátio do Palazzo Strozzi) e teve aproximação maior com questões místicas e espirituais em temporadas e performances que incluíram viagens pelos cinco continentes –– com momentos históricos em uma tribo de nativos na Austrália ou em rituais com monges budistas no Tibete. O final da relação em 1988 também foi uma performance, monumental, nomeada em comum acordo pelos dois como “The Lovers” (Os amantes), com duração de três meses registrada por câmeras de fotografia e vídeo: cada um caminhou de um ponto extremo da Grande Muralha da China até se encontrarem, no meio do trajeto, para se despedirem um do outro com um demorado e afetuoso abraço de adeus.

Sem Ulay, nas últimas décadas, Marina Abramovic seguiu em direção a novas fronteiras: fez uma parceria com o dramaturgo britânico Robert Wilson para a montagem de um espetáculo teatral chamado "A vida e a morte de Marina Abramovic", apresentado com trilha sonora de Antony Hegarty em 2011 no festival internacional de Manchester, Inglaterra, e em 2012 no Teatro Basel, na Suíça, com Marina dividindo a autoria com Robert Wilson e dividindo as cenas no palco com o ator Willem Dafoe; e passou a investir no treinamento de atores para novas performances e para retomar antigos trabalhos, no que ela chama de re-performances ao vivo, como as que agora ela apresenta em Florença.

Sobre as críticas proibitivas de um ou outro teórico mais purista, que insista em defender o caráter da unicidade das performances, tal como elas surgiram no final da década de 1960, Marina Abramovic argumenta que a montagem em re-performance ao vivo é exatamente isto: uma forma de arte cênica e presencial para fazer perdurarem trabalhos que têm natureza efêmera, ao contrário do que ela mesmo professava nos anos 1970, quando havia um consenso defendendo que as performances eram únicas e irrepetíveis, o que as distanciava radicalmente do espetáculo de teatro. Nas duas últimas décadas, a artista também retornou à sua terra natal para buscar inspiração para trabalhos como “Barroco dos Balcãs” (1997), que traduz de forma simbólica as tragédias da Guerra da Bósnia. Apresentada na Bienal de Veneza, rendeu a Marina Abramovic o prêmio máximo do evento, o Leone d’Oro.

Performance com Marina Abramovic: acima,

Vida e morte de Marina Abramovic, parceria da

artista com o dramaturgo britânico Robert Wilson

apresentada nos palcos do festival internacional de

Manchester em 2011 e no Teatro Basel, na Suíça,
em 2012. Abaixo, Barroco dos Balcãs, uma

performance com ossos de animais premiada com o

Leone d’Oro no Festival de Veneza em 1997

O espaço além

Também ambientadas em sua terra natal são “O Herói” (2001), performance dedicada a seu pai, que lutou na resistência contra nazistas e fascistas, durante a Segunda Guerra, e “Épico Balkaniano”, instalação com três telões e imagens individuais de Marina, seu pai, sua mãe – somente Marina fala, contando histórias macabras sobre sua infância, na fronteira entre a realidade da memória e a imaginação fabulosa. Outra referência à sua terra natal e aos cenários de guerra aparece em destaque em "A casa com vista para o mar" (2002), apresentada na Galeria Sean Kelly, Nova York: durante 12 dias, de forma ininterrupta, ela ficou em completo silêncio e em completo jejum, observada pelos visitantes em uma estrutura suspensa que teve como único acesso escadas feitas com facas afiadas.

A fase mais recente da trajetória da artista avança pelo misticismo: em “Contando o arroz”, de 2015, criada como parte de uma série de oficinas nomeadas como “Limpando a casa” (também apresentadas em Florença e de onde saiu o nome da exposição atual, “The cleaner”, ou “Il pulitore”, em italiano), a artista propõe ao público um isolamento com fones de ouvido à prova de som para cada um, sentado à mesa, separar o arroz branco misturado a lentilhas pretas, anotando em uma folha o número de grãos – um convite à reflexão e à conexão consigo mesmo em busca de calma e concentração. Em “Objetos transitórios”, também de 2015, ela apresenta ferramentas incomuns feitas de cristais de quartzo e outros materiais frágeis para serem manuseadas com cuidado, provocando viagens interiores de meditação e transcendência.

Performance com Marina Abramovic: acima,

A casa com vista para o mar (imagem da performance

original de 2002), uma alegoria sobre os cenários da

Guerra dos Balcãs. Abaixo, cenas do documentário

Espaço Além – Marina Abramovic e o Brasil

Com retrospectivas de seu trabalho realizadas nos últimos anos em diversos países, incluindo uma temporada no Sesc Pompeia em São Paulo, em 2015 (a primeira exposição retrospectiva da artista apresentada em um país da América Latina), o capítulo mais recente de sua trajetória de experimentações também se passa no Brasil: em parceria com o diretor Marco Del Fiol, Marina Abramovic apresenta em um documentário, “Espaço Além”, uma viagem esotérica de 87 minutos com uma série de performances e registros audiovisuais sobre lugares místicos, sobre preces de invocação e sobre cultos de devoção muito diferentes entre si. O filme estreou nos cinemas brasileiros em 2016 e segue sua trajetória de exibição em outros países e em festivais pelo mundo afora.

No “Espaço Além”, Marina Abramovic é a protagonista e a voz narrativa que tudo conduz. Com sua equipe de produção, a artista pesquisou e visitou, a partir de 2012, em diversos períodos, comunidades espirituais que incluem, entre outros cenários e ambientações, dos diversos rituais que convivem no Vale do Amanhecer, em Brasília, ao xamanismo na Chapada Diamantina, e daí a momentos de emoção e reflexão no candomblé da Bahia, nas cerimônias com chás de ayahuasca, nas benzeções tradicionais em Goiás, nas simpatias com sessões em banhos de ervas ou de lama, nas curas operadas por médiuns, por pessoas comuns, por cristais e outras pedras de poder que nomearam há séculos o território de Minas Gerais. Uma frase de Marina Abramovic, em algum momento do filme, talvez seja uma tradução fiel sobre sua trajetória: ela diz que sempre quis, desde o começo, em seu país de origem, ampliar a consciência através da arte para que outras pessoas pudessem ver a si mesmas em seu próprio reflexo. A artista, em sua presença imponente, polêmica e benevolente, não se esconde.

por José Antônio Orlando.


Como citar:

ORLANDO, José Antônio. Performance com Marina Abramovic. In: ______. Blog Semióticas, 11 de novembro de 2018. Disponível no link http://semioticas1.blogspot.com/2018/11/performance-com-marina-abramovic.html (acessado em .../.../...).

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